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"Romance del rey Meliadus de Lennoys", Anónimo 1362 - Esta miniatura fué realizada por un artista napolitano anónimo de influencia francesa para Luis I de Napoles. El manuscrito se conserva en la British Library de Londres, Gran Bretaña.Se trata de la representación más antigua conocida del juego de naipes, (miniatura de finales del siglo XIV), en un manuscrito de Hélie de Boron novela conocida como Palamedes escrita originalmente en 1235-40. Esta obra es también conocida en versiones tardías del siglo XVI escrita en dos partes como: la primera parte como El romance del rey Meliadus de Lennoys, la segunda parte como  Gyron le Courtoys.El manuscrito fue escrito con áreas dejadas en blanco para que posteriormente se pudiera adornar con miniaturas a pie de página, se añadieron cientos, en ocasiones por diversos artistas. La imagen muestra al Rey Meliadus y sus seguidores divertiendóse mientras estaban cautivos. Están jugando una partida de truco de 4 jugadores, acumulando trucos transversalmente para facilitar el conteo de tantos. La baraja utiliza los símbolos y palos Latinos, (pueden verse oros y bastos), se juega por interés ya que puede verse dinero sobre la mesa. Los juegos de naipes no se mencionan en el texto, mencionándose los hombres encarcelados entreteniéndose. Al parecer, el artista simplemente imaginó la escena de la partida de naipes como medio de diversión debido a la influencia de la reciente introducción de los naipes en Europa. Esta imagen de personas jugando a los naipes, fechada entre el año 1352 y el año 1362, pone en entredicho la fecha comunmente aceptada como la de introducción de los naipes en Europa. puede verse una versión digitalizada de la obra en http://www.bl.uk/manuscripts/Viewer.aspx?ref=add_ms_12228_fs001r
"Romance del rey Meliadus de Lennoys", Anónimo 1362
"Jugadores de cartas", Aba Novak Vilmos, 1932 - Se trata de una témpera sobre madera pintado en 1932. Mide 39 cm de alto por 52 cm de ancho. Se encuentra en una colección privada. La escena representa una partida de naipes en una taberna, no existe dinero sobre la mesa, por lo que seguramente la partida es sólo por entretenerse o tal vez para jugarse las bebidas. El ambiente es distendido. El jugador de la derecha del cuadro enseña su jugada al espectador haciéndole partícipe de la misma, ésta ha sido colocada por el artista en un lugar clave del cuadro, muy cerca de la sección dorada, lo que atrae poderosamente la vista sobre la misma. Aba Novák Vilmos, nació el 15 de marzo de 1894 en Budapest, Hungría. De 1912 a 1914, estudió en la Escuela de Bellas Artes de Budapest. Posteriormente trabajaría en las colonias de artistas en Szolnok y Nagybánya, (ahora Baia Mare, Rumanía), bajo las directrices de Adolf Fenyés tomó clase de dibujo de Viktor Olgyai. Desde 1928 a 1930 fue becario en la Academia Húngara de Roma. A partir del año 1939 pasó a ser profesor de la Escuela de Bellas Artes de Budapest. Fue grabador además de pintor y uno de los talentos más originales y controvertidos de la pintura moderna húngara. Su estilo combina elementos de expresionismo con los del novecento italiano. Sus temas preferidos fueron las escenas de género, la gente llana del pueblo, los mercados y el mundo del circo, temas que resolvió con una gran maestría compositiva y el uso de colores fuertes, con los que consigue transmitir un sentido de lo fantástico, dinamismo y vitalidad. Aba Novák tenía una gran habilidad para trabajar con cualquier técnica, realizó numerosos frescos para el Gobierno de Hungría y la iglesia, como por ejemplo los frescos de la iglesia católica en Jászszentandrás. Ganó el Premio del jurado en la Gran Exposición Universal de París en 1937 y el de la Bienal de Venecia en 1940. Murió el día 29 de septiembre de 1941 en Budapest.
"Jugadores de cartas", Aba Novak Vilmos, 1932
"Juego del Senet", anónimo, siglo XIII a.C. - Fragmento de un papiro egipcio del siglo XIII antes de Cristo que se conserva en el British Museum de Londres, Inglaterra. Apareció en la tumba de la reina Nefertari, esposa de Ramsés III y en el se representa a a soberana prácticando un juego parecido al ajedrez, el Senet.  Se trata posiblemente de una de las representaciones más  antigua de la importancia del juego a lo largo de la historia de la humanidad. Este papiro, nos pone de manifiesto además un hecho que se ha venido repitiendo a lo largo de la historia, la prohibición del juego a las clases sociales más bajas mientras que los gobernantes y las clases sociales más acomodadas se entregaban a sus placeres sin freno. De  la civilización faraónica nos han llegado numerosos papiros en los que se penaliza el juego. A través de ellos podemos también saber que el castigo aplicado era por lo general el trabajo forzado en  las canteras.
"Juego del Senet", anónimo, siglo XIII a.C.
"Das Guldin spil", Johannes Ingold, 1432, grabado - La ilustración es un grabado recogido en el libro de 1432 "Das Gulpin Spil". La escena representa una partida de naipes en el que se cruzan apuestas, pues el dinero está sobre la mesa. Este libro fué escrito en 1432 por el Dominico Johannes Ingold, (1400-1465), en él se describen los siete pecados capitales, ilustrando cada uno de ellos con un juego. Hace además la descripción de como está estructurado un juego de naipes de la época, con 52 naipes que representan las 52 semanas del año en que caemos en pecado, cada palo está formado por cuatro reyes y un total de 13 naipes cada uno. Enumera los cuatro palos de la baraja como coronas, rosas, monedas y anillos. Ingold es un moralista, que desaconseja los juegos de azar, no obstante nos deja la descripcción de las reglas de uno de los primeros juegos de azar, el Karnöffel. Asocia los pecados capitales con distintos juegos: Ajedrez con el orgullo. Juegos de naipes con la lujuria. Juegos de dados con la avaricia.
"Das Guldin spil", Johannes Ingold, 1432, grabado
"Familia jugando a los naipes", Hans Bol, 1583 - En este grabado se nos representa el interior de una acomodada familia flamenca, ésta se encuentra jugando una partida de naipes. Mientras los adultos juegan algunos niños se encuentran ejerciendo distintas acciones. Las damas situadas en el ángulo inferior izquierdo del cuadro juegan al backgammon, juego de enorme popularidad en esa época. Hans bol nació el día 16 de Diciembre del año 1534 en Mechelen, Belgica. Recibió su primera formación artística de mano de dos de sus tíos Jacob y Jan Bol que eran a su vez pintores. A la edad de carorce años ingresó en el taller de un pintor y acuarelista de Mechelen especializado en waterschilderen, (técnica consistente en pintar sobre tela con acuarela o temple, estas telas eran colgadas a modo de tapiz). Fué pintor, dibujante y grabador, está considerado un manierista, sus acuarelas fueron tan ampliamente reproducidas que comenzó a crearlas sobre pergamino, técnica que le valió numerosos clientes internacionales. Sus temas preferidos fueron las escenas mitológicas, bíblicas o alegóricas, pintó así mismo muchos paisajes, tema éste último en el que es considerado un maestro, su dibujos y acuarelas fueron precursores del posterior desarrollo del paisajismo, destaca su estilo por una mezcla de artificiosidad y naturalismo. Parece ser que nunca viajó a Italia, (constumbre común en los pintores del siglo XVI), por lo que su técnica y estilo son considerados genuinamente flamencos. La mayoría de sus obras parece haberse perdido, habiendo sobrevivido sobre todo acuarelas y miniaturas, por los que hoy es conocido. Una de sus pinturas más famosas, una acuarela sobre papel pintada en 1580 e inspirada en las "Metarmorfosis" de Ovidio, representa el antiguo mito de Ícaro, (en el siglo XVI existía gran interés por la mitología clásica, siendo especialmente popular el mencionado mito de Ícaro). Entre sus discipulos figuran Joris Hoefnagel y Jacob Savery. En 1572 se establece en Amberes, donde en 1574 se le documenta como maestro, por motivos religiosos se mudaría a Amsterdam, Holanda, cuidad en la que Hans bols murió el día 20 de Noviembre del año 1593, (la fecha de su muerte es discutida debido a un un cuadro "Adoración de los pastores", fechado en 1595).
"Familia jugando a los naipes", Hans Bol, 1583
"El demonio de los dados", Alberto Durero, 1487 - Se trata de un grabado sobre madera de 1487, atribuído a Alberto Durero. Aparece en el panfleto "Como fueron inventados los dados", impreso por Conrad Kacherofen en Leipzig, el año 1487. Podemos ver en el grabado distintos jugadores de dados, a la izquierda un jugador de dados apuñala a otro dejándose llevar por la pasión suscitada por el juego, trás ellos, otro jugador de dados está atado a una rueda de la fortuna en al que se le hace girar, simbolizando lo incierta que puede ser la vida para alguien que se entregue a la pasión de los dados. En el centro del dibujo, un demonio lanza un dado a un viajero, simbolizando con ello que la suerte de ese viaje dependerá de la jugada obtenida, hay que tener en cuenta que en esa época cualquier viaje estaba repleto de peligros y amenazas para el viajero, no estando exento el mismo del azar.
"El demonio de los dados", Alberto Durero, 1487
"Jugadores de cartas", Adam de Coster, 1620 -  Este cuadro fue pintado en 1620. Se representa en él una escena de juego entre dos personajes que son observados por otros dos. De clara influencia Caravaggista, el encuadre de la escena carece de referencias arquitectónicas, y los protagonistas son retratados desde muy cerca, asi mismo se produce un hermoso claroscuro debido a la iluminación proviniente desde abajo, desde posiblemente una vela. Los jugadores son personajes ricamente ataviados, posiblemente soldados, ya que el situado frente al espectador parece llevar armadura. La luz incide fuertemente sobre el rostro del joven jugador y sobre los naipes y monedas de la mesa, por lo que la atención del espectador se ve fuertemente atraída hacia éstos elementos. El jugador está en ademán de volcar su naipe sobre la mesa, con una actitud francamente resuelta, como si tuviese la certeza de ganar la mano. Es oriundo de Mechelen, Bélgica donde nació en 1586  aparece en el gremio de pintores de San Lucas de Amberes como maestro en 1607-08. Aunque no existe información sobre un posible viaje a Italia, su temprana adopción del claroscuro y el uso de medias figuras iluminadas por "velas" que crean efectos luminosos espectaculares, sugiere que podría haber hecho este viaje y seguir las influencias de maestros como Carravaggio. Las pinturas de De Coster muestran cierta afinidad con las de Georges de la Tour y otras variaciones francesas del estilo barroco italiano. Se aprecian influencias mucho más directas, scomo las de Gerard Honthorst y Antonio Campi. En la iconografía de Anthony van Dyck (1626), se le identifica como "Pictor Noctium" (Pintor de noches). Pertenece al movimiento barroco. Murió en Antwerp, bélgica en 1643.
"Jugadores de cartas", Adam de Coster, 1620
"Jugadores de cartas" Adriaen Brouwer, 1632. - Se trata de un óleo sobre tabla de 33 cm. de alto por 43 cm. de ancho. Se encuentra en la Pinacoteca Vieja de Munich, Alemania. Fue pintado en 1632. La escena se desarrolla en una taberna de la época, y representa un grupo de campesinos, (tema este recurrente en Brouwer), jugando a los naipes en un ambiente de franca camaradería. El jugador de la izquierda vuelca sus cartas con evidente satisfacción sobre el miserable e improvisado tapete. La luz es frontal, como en mucho de los cuadros de Brouwer con la misma temática. A diferencia de otros pintores, Adriaen Brouwer no pintó personajes de las clases pudientes jugando, sus personajes son siempre campesinos, como si quisiera unir las bajas pasiones generadas por el juego a las clases más bajas. Frecuentemente en sus cuadros aparecen peleas generadas por el juego de azar. La paleta cromática usada en este cuadro es mucho más amplia que la usada en otros con el mismo tema, que el pintor suele resolver con limitados tonos color tierra, al desarrollarse la mayoría de escenas en tabernas poco iluminadas. Adriaen Brouwer nació en 1605 en Oudenaarde, (Bélgica). Al morir su padre, a la edad de 15 años es enviado a Holanda donde se cree que fue discípulo de Frans Hals. Su pintura se vio muy influenciada por la de Pieter Brueghel el joven, fue un destacado representante de la pintura de género destacando sus pinturas populares de tabernas. Gusta de representar aventureros y truhanes de la más baja clase social, con los que se identificaba. Se le considera un precursor del impresionismo, sacrifica las formas a favor del colorido, ya que no detalla ni matiza los contornos, para que la vista obtenga una visión general del cuadro, sus pinceladas son vigorosas y desenvueltas. Se estableció en Amberes en 1631. Es encarcelado sin que se sepan los motivos, sólo se sabe que anteriormente había tenido problemas por falsificar algunas obras. Rubens que era admirador suyo declaró en su contra. En la cárcel conocería al que sería su único alumno Joost Van Craesbeeck. Murió en Amberes en el año 1638.
"Jugadores de cartas" Adriaen Brouwer, 1632.
"Jugadores de cartas", Adriaen Brouwer, 1632 - Se trata de un óleo sobre tabla de 39 cm. de alto por 25 cm. de ancho. Se encuentra en el Musée Royaux des Beaux-Arts de Bruselas, Belgica. Fue pintado en 1632 y es considerado de estilo Barroco. La escena se desarrolla en una taberna de la época, en el lado izquierdo del cuadro aparece una escena de juego compuesta por cuatro personajes. El jugador de la derecha parece tener un papel activo, está mostrando su jugada. Sobre la destartalada mesa aparecen dos ases boca arriba, mientras que está dándole la vuelta a los otros dos, (as de picas y as de corazones), sus facciones transmiten satisfacción. El jugador opuesto sostiene los naipes en su mano izquierda, con la mirada fija en los mismos, éstos son dificilmente observables debido a la limitada paleta cromática que Brouwer emplea en este cuadro, pero la posición de la mano así lo revela. Un tercer personaje, al frente, parece estar anotando los tantos de la partida, también con gesto entre satisfacción y asombro respecto a la jugada. Por encima de éste un cuarto personaje mira el desarrollo del juego, mostrando en su rostro la misma expresión. Los naipes en el suelo no parecen estar relacionados con la partida, pues el cuadro no transmite para nada la impresión de que se estén realizando trampas. La luz frontal centra la atención sobre el grupo de jugadores, además el artista recurre a dejar el resto de personajes del cuadro meno definidos, como en segundo plano, realzando con esto la escena principal. Adriaen Brouwer nació en el año 1605 en Oudenaarde, (Bélgica). Al morir su padre, a la edad de 15 años es enviado a Holanda donde se cree que fue discípulo de Frans Hals. Su pintura se vio muy influenciada por la de Pieter Brueghel el joven, fue un destacado representante de la pintura de género destacando sus pinturas populares de tabernas. Gusta representar aventureros y truhanes de la más baja clase social, con los que se identificaba. Se le considera un precursor del impresionismo, sacrifica las formas a favor del colorido, ya que no detalla ni matiza los contornos, para que la vista obtenga una visión general del cuadro, sus pinceladas son vigorosas y desenvueltas.  Se estableció en Amberes en 1631. Es encarcelado sin que se sepan los motivos, sólo se sabe que anteriormente había tenido problemas por falsificar algunas obras. Rubens que era admirador suyo declaró en su contra. En la cárcel conocería al que sería su único alumno Joost Van Craesbeeck. Murió en Amberes en el año 1638.
"Jugadores de cartas", Adriaen Brouwer, 1632
"Españoles jugando a las cartas", Alexandre Gabriel Decamps - Se trata de un óleo sobre lienzo pintado aproximadamente en 1855, cuyas medidas son 47,5 cm. de alto por 62,5 cm. de ancho. Este cuadro es también conocido como "Los catalanes". Se encuentra en el Museo del Louvre en Paris. La escena representa un grupo de payeses catalanes jugando a los naipes. En este cuadro se pone claramente de manifiesto la pincelada rápida de Decamps, lo que da a la obra un aire verídico de espontaneidad. Su característico uso de la luz puede también apreciarse, ésta entra por una ventana situada mucho más arrriba que los personajes, iluminando sus cabezas y dejando el resto del cuerpo en penumbra. La partida se desarrolla en un clima de camaradería, no se aprecian apuestas sobre la mesa, se trata sin duda de un juego de sociedad destinado al entretenimiento. Alexandre Gabriel Decamps nació en Paris el día  tres de Marzo de 1803. Empezó con una formación tradicional aprendiendo con el pintor Etienne Bouhot en cuyo estudio estuvo de 1816 a 1818, año en que tomaría com profesor a Alexandre-Denis Abel de Pujol. Fué reconocido como uno de los mayores representantes de la escuela romántica francesa, junto a Vernet y Delacroix . Su uso de la luz es muy característica con marcados contrastes entre luces, sombas y colores, sus pinceladas son rápidas y vigorosas. Viajó por Oriente, durante los años 1817 y 1828, por lo que muchas de sus obras reproducen con gran veracidad la forma de vida oriental, habiendo quedado para la historia como pintor orientalista a pesar de lo variado de su temática, en la que podemos encontrar escenas religiosas, históricas, de género, o animalarias. De 1832 a 1833 trabajó en Italia, produciendo obras de gran envergadura a la manera antigua. Murió en Paris el día 22 de Agosto del año 1860, trás sufrir un accidente de caza en Fontainebleau.
"Españoles jugando a las cartas", Alexandre Gabriel Decamps
"El desacuerdo", Alexandre Gabriel Decamps - Decamps recreó en numerosas ocasiones actitudes humanas a través de animales, estos cuadros son una sátira del hombre no exenta de ironía, y como en este caso con un doble lenguaje. Los personajes del cuadro son monos en actitudes humanas, la escena representa una partida de naipes, en la que dos jugadores han discutido generándose una violenta pelea. El jugador de la izquierda fuera de sí intenta golpear a su oponente con una vasija, es sujetando firmemente por otro compañero que trata de evitar el desenlace. El jugador de la derecha hace ademán de levantarse para enfrentarse al desafío, mientras es tranquilizado a su vez por otro compañero. Sobre la mesa los naipes extendidos y algunas monedas, sin duda el origen de la discusión. Alexandre Gabriel Decamps nació en Paris el día tres de Marzo de 1803. Empezó con una formación tradicional aprendiendo con el pintor Etienne Bouhot en cuyo estudio estuvo de 1816 a 1818, año en que tomaría com profesor a Alexandre-Denis Abel de Pujol. Fué reconocido como uno de los mayores representantes de la escuela romántica Francesa, junto a vernet y Delacroix . Su uso de la luz es muy característica con marcados contrastes entre luces, sombas y colores, sus pinceladas son rápidas y vigorosas. Viajó por Oriente, durante los años 1817 y 1828, por lo que muchas de sus obras reproducen con gran veracidad la forma de vida oriental, habiendo quedado para la historia como pintor orientalista a pesar de lo variado de su temática, en la que podemos encontrar escenas religiosas, históricas, de género, o animalarias. De 1832 a 1833 trabajó en Italia, produciendo obras de gran envergadura a la manera antigua. Murió en Paris el día 22 de Agosto de 1860, trás sufrir un accidente de caza en Fontainebleau.              
"El desacuerdo", Alexandre Gabriel Decamps
"Will Bill Hickcock jugando a las cartas", N. C. Wyeth, 1916 -  En esta obra realizada con acuarela se nos representa una escena típica del lejano oeste enfatizada por la presencia en la mesa de poker de Will Bill Hickcock, (el personaje que empuña el colt), seguramente tras descubrir que está siendo engañado por un tahúr al que encañona. Nada en la pintura revela al espectador la trampa, (al contrario que otros cuadros con esta temática, veáse por ejemplo "el tramposos "de Caravaggio), salvo claro está, que supongamos que Hickcock tenga entre sus cartas boca abajo algún as repetido de entre los que el tahúr muestra, o mejor dicho le obligan a mostrar, pues el resto de jugadores conserva sus cartas tapadas.  De los otros dos personajes el de la izquierda parece ser también un tahúr a quien el jugador de enfrente parece controlar con la mirada. El artista ha querido así retratar a Will Bill Hickcock en su ambiente y le convierte en el tema central del cuadro, obligando la mirada del espectador a centrase sobre él debido a que baja el plano de la iluminación hasta por encima justo de su cabeza al tiempo que la centra en él. La composición ayuda también a este fin dejando el artista un gran hueco entre los dos tahures a modo de pasillo para la mirada del espectador.
"Will Bill Hickcock jugando a las cartas", N. C. Wyeth, 1916
"Pejerón", Antonio Moro, 1559 - Se trata de un óleo sobre lienzo de 184,5 cm. de alto por 93,5 cm. de ancho. Se conserva en el Museo del Prado de Madrid. Se cree que fué pintado por Antonio Moro hacia 1559, en uno de sus últimos viajes a España. Se trata del retrato de Pejerón, bufón del Conde de Benavente y del gran Duque de Alba, pintado sobre un fondo oscuro carente de toda referencia espacial. Debido a que el personaje ocupa todo el plano, es dificil apreciar su verdadera estatura, sólo puesta en evidencia por sus deformes piernas y su desproporcionada cabeza. Aparece ricamente vestido. Su deforme mano derecha sujeta una baraja, (símbolo de ociosidad), con el que el pintor quiere poner de manifiesto la ocupación del personaje, "el oficio de burlas". Antonio Moro, (Anton Van Dashorst Mor), nació en Utrech, Paises Bajos en 1519, debido a su fama internacional, podemos encontrar su nombre adaptado a diversos idiomas. Fué discípulo de Jan Van Scorel del que se convertiría en ayudante hacia 1540. Pertenece  a la escuela flamenca. El gremio de pintores de San Lucas de Ambreres le nombró maestro en 1547. Antonio Perrenot de Granvela, Obispo de Arrás, pasó a ser en 1548 su primer gran mecenas. Esto le posibilitó acceder a miembros de la realeza, destacando entre ellos Felipe II de España, de los que sería retratista asiduo. Como retratista, Moro marca una gran diferencia con sus antecesores, su obra está influida por Tiziano, a cuyas obras accedió casi con toda seguridad por los retratos de los Austrias que el Cardenal Granvela y Maria de Hungría, (regente de los Paises Bajos), poseían. Con su técnica aunó la tradición flamenca con la escuela italiana. Por lo general los retratos de Moro se presentan sobre un fondo oscuro neutro, con la iluminación muy simplificada, proviniente del lado izquierdo del cuadro. Las figuras aparecen a tres cuartos o cuerpo entero, y llenan por completo el plano pictórico. Los colores y tonos usados son apagados. A destacar la gran precisión con la que representa las telas y sus pliegues en sus distintas calidades, Su obra maestra es el retrato de María de Tudor, pintado en 1554, (Museo del Prado de Madrid). Murió en Amberes entre 1575-1576
"Pejerón", Antonio Moro, 1559
"Jugadores de cartas", Johannessen Askel Waldemar, 1918 -  Se trata de un óleo sobre lienzo pintado en 1918 cuyas medidas son 128 cm. de alto por 152 cm. de ancho. La escena representa a los actores del Teatro Norske durante el descanso, el matrimonio Askel estuvo muy vinculado al teatro. El artista se representa a sí mismo como uno de los jugadores, el situado frente al espectador, trás él su hija Aasa está mirando la partida, (ver el parecido con la fotografía de la escultura, tomada en la exposición retrospectiva de 1923). Johannessen Askel Waldemar nació el día 26 de Octubre de 1880 en Kristiania, (hoy Oslo), Noruega. Asistió a la Academia de Arte y Diseño como alumno del escultor Lars Utne. Fué un pintor y grabador no reconocido hasta después de su muete, a veces los críticos de arte se refieren a él como "el olvidado". Pintó la vida laboral de gente humilde y de perdedores tales como prostitutas, alcoholicos, imágenes de violencia, sexualidad etc. Durante los años 1918 hasta 1921, se encontraba en una situación muy difícil, debido a que su esposa Anne tenía cáncer, teniendo serios problemas con el alcohol. Varias de sus obras de este periodo se suponen autobiográficas, suele aparecer en sus obras, cosa poco común en aquella época. Totatalmente aíslado de la comunidad artística, se le considera un pintor independiente, a pesar de que en su obra se aprecian influencias de pintores noruegos tales como Edvard Munch, Henrik Lund y Henrik Sørensen. Su estilo es expresionista, aunque a menudo se le considera un eslabón perdido entre el expresionismo y el arte realista social. Tras su muerte, su mujer que sólo le sobreviviría cuatro meses, con ánimo de dejar la situación de sus hijas resuelta, mostró la obra, (90 cuadros), que secretamente había hecho Askel, al artista Ola Abrahamsson que quedó impresionado. Organizó la exposición retrrospectiva de 1923 en la Galería Blomqvist, la mejor de Oslo. La acogida por parte de la crítica y del mundo artístico fue abrumadora. Posteriormente Askel volvió a caer en el olvido hasta que en 1992 fué redescubierto por el coleccionista de arte y filántropo Haakon Mehren. Murió prematuramente a los 41 años el día 25 de Octubre de 1922 en Kristiania, (Oslo).
"Jugadores de cartas", Johannessen Askel Waldemar, 1918
"El solitario", Balthus, 1954-55 - 1954-1955. Oleo sobre lienzo. 90 x 88 cm. Colección particular. En esta obra podemos ver una joven muchacha, (tema recurrente en Balthus), jugando un solitario, en francés denominado "patiente". El personaje parece estar enfrascado en la resolución del juego cuyas cartas aparecen extendidas sobre la mesa en la forma habitual de muchos solitarios, con la mano derecha sostiene un naipe, como si el mismo no encajara con los depositados sobre la mesa. La luz proviene de la parte posterior del personaje, tal vez desde una ventana, lo que deja al mismo con el rostro a contraluz, contribuyendo a crear la atmosfera de ensismamiento y duda que parece embargarle. Balthasar Klossowski de Rola, (Balthus), nació en Francia en el año 1908. Educado en una familia culta, empezó a pintar a los diecisiete años. Fué muy influído por el realismo de Courbet. A partir de 1930 su estilo se vuelve más realista y figurativo, alejado de cualquier tipo de abstracción, sus figuras realistas de carácter introspectivo y onírico consigue que sintamos un ambiente inquietante y frío. En Abril de 1934 tiene lugar su primera exposición personal en la Galería Pierre de París. A partir de 1953 su estilo evoluciona hacia una gran sencillez representativa. Balthus fue conocido por sus representaciones siempre polémicas de adolescentes.
"El solitario", Balthus, 1954-55
"La partida", Balthus, 1950 - Se trata de un óleo sobre lienzo pintado por Blathus en 1950. Pertenece al MuseoThyssen-Bornemisza de Madrid. Su estilo es Naif, (primitivismo). La escena representa una partida de naipes entre dos personajes jóvenes, (una pareja), ambos parecen ajenos al juego ella con la mirada centrada sobre él, quién por su parte mira a lugar indefinido mientras sostiene con su mano izquierda un naipe oculto en su espalda, tal vez con la intención de hacer trampas. La luz proviene de la parte posterior del cuadro, lo que deja los rostros de los jugadores en un parcial contraluz. Al igual que en su cuadro "La patiente", Balthus situa sobre la mesa un candelabro que no tiene otra función que atraer la mirada del espectador sobre la mesa, donde se desarrolla la acción, reforzando con esto que el tema central del cuadro es la partida que se está desarrollando, haciendo así honor al título del mismo. Balthasar Klossowski de Rola, (Balthus), nació en Francia en el año 1908. Educado en una familia culta, empezó a pintar a los diecisiete años. Fué muy influído por el realismo de Courbet. A partir de 1930 su estilo se vuelve más realista y figurativo, alejado de cualquier tipo de abstracción, sus figuras realistas de carácter introspectivo y onírico consigue que sintamos un ambiente inquietante y frío. En Abril de 1934 tiene lugar su primera exposición personal en la Galería Pierre de París. A partir de 1953 su estilo evoluciona hacia una gran sencillez representativa. Balthus fue conocido por sus representaciones siempre polémicas de adolescentes.
"La partida", Balthus, 1950
"El solitario", Balthus, 1943 - Este óleo sobre lienzo fue pintado por Balthus en 1943, se trata de una variante del tema "La patience", (el solitario). La escena presenta una joven realizando un solitario de cartas, la posición de la modelo, su actitud, (tiene la misma expresión de ensimismada y sostiene también en la mano derecha un naipe), y la composición del cuadro es prácticamente igual que en su otro cuadro con esta temática. La luz también proviene en este caso de la parte posterior de la modelo dejando su rostro en penumbra. Sobre la mesa Balthus coloca un candelabro que atrae la mirada del espectador sobre la mesa centrando la acción, de no ser por este recurso, toda la atención estaría centrada sobre el rostro de la modelo. Este cuadro se encuadra dentro del expresionismo. Balthasar Klossowski de Rola, (Balthus), nació en Francia en el año 1908. Educado en una familia culta, empezó a pintar a los diecisiete años. Fué muy influído por el realismo de Courbet. A partir de 1930 su estilo se vuelve más realista y figurativo, alejado de cualquier tipo de abstracción, sus figuras realistas de carácter introspectivo y onírico consigue que sintamos un ambiente inquietante y frío. En Abril de 1934 tiene lugar su primera exposición personal en la Galería Pierre de París. A partir de 1953 su estilo evoluciona hacia una gran sencillez representativa. Balthus fue conocido por sus representaciones siempre polémicas de adolescentes.
"El solitario", Balthus, 1943
"La hechadora de cartas", Balthus, 1956 - Oleo sobre lienzo pintado en 1965 cuyo tamaño es de 198 cm. de alto por 198 cm. de ancho. Se encuentra en una colección privada. La escena representa a una hechadora de cartas de tarot, (la tireuse en francés), sentada frente a una mesa en una postura un poco forzada, pues el artista sube el plano de la misma para que la vista del espectador se centre en las cartas depositadas sobre ella. La pitonisa dirige la mirada al espectador, mirándolo de frente, de forma que es muy díficil no mirarle a los ojos como si la tirada de cartas que está haciendo en ese momento a quién contempla el cuadro. Balthasar Klossowski de Rola, (Balthus), nació en Francia en el año 1908. Educado en una familia culta, empezó a pintar a los diecisiete años. Fué muy influído por el realismo de Courbet. A partir de 1930 su estilo se vuelve más realista y figurativo, alejado de cualquier tipo de abstracción, sus figuras realistas de carácter introspectivo y onírico consigue que sintamos un ambiente inquietante y frío. En Abril de 1934 tiene lugar su primera exposición personal en la Galería Pierre de París. A partir de 1953 su estilo evoluciona hacia una gran sencillez representativa. Balthus fue conocido por sus representaciones siempre polémicas de adolescentes.
"La hechadora de cartas", Balthus, 1956
"La partida", Balthus, 1973 - Este cuadro pintado por Balthus en 1973 se encuadra dentro del estilo naif, (primitivismo), está realizado con tempera sobre lienzo, sus medidas son 190 cm. de alto por 225 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo Boijmans van Beuningen de Rotterdam. De nuevo retrata el artista una pareja de jóvenes jugando a las cartas, como en su otro cuadro denominado también "la partida". Los personajes parecen estar ajenos al juego, el muchacho se encuentra con una de sus rodillas sobre la silla, (pose ésta muy usada por Balthus), mira de soslayo a un punto indefinido situado fuera del cuadro, la chica mira al frente, pero no al espectador, mientras deposita sobre la mesa un naipe con actitud desentendida. En este cuadro, a diferencia que el resto con esta misma temática la luz se proyecta desde el frente y a la izquierda, (a juzgar por las sombras del mobiliario), lo que deja el rostro de los personajes totalmente iluminados. La composición elegida por el artista, un espacio vacio y mas bajo que las masas representadas por los personajes centra la mirada del espectador sobre la mesa de juego, lo que paradójicamente le hace más partícipe de la partida que a los propios personajes de la obra. Balthasar Klossowski de Rola, (Balthus), nació en Francia en el año 1908. Educado en una familia culta, empezó a pintar a los diecisiete años. Fué muy influído por el realismo de Courbet. A partir de 1930 su estilo se vuelve más realista y figurativo, alejado de cualquier tipo de abstracción, sus figuras realistas de carácter introspectivo y onírico consigue que sintamos un ambiente inquietante y frío. En Abril de 1934 tiene lugar su primera exposición personal en la Galería Pierre de París. A partir de 1953 su estilo evoluciona hacia una gran sencillez representativa. Balthus fue conocido por sus representaciones siempre polémicas de adolescentes.
"La partida", Balthus, 1973
"Prudencia, avaricia, lujuria, justicia, ira", Jack Beal, 1977 - Se trata de un óleo sobre lienzo pintado en 1977, cuyas medidas son 198.1 cm.  de alto por 182,9 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo de Arte Barley en Charlottesville, Virginia. El cuadro representa una pelea motivada por el descubrimiento de la ejecución de una trampa durante el juego. En la cintura del tramposos puede observarse un naipe oculto, el índice superior izquierdo de dicho naipe nos revela que se trata de uno de los dos ases negros. Bien podría tratarse de una técnica de tahúr denominada "money switch", consistente en ir cambiando las cartas de acuerdo a la necesidad del jugador, cubierta la acción fraudulenta por un fajo de billetes en el acto de añadir el dinero de las apuestas en el pot, cambiando las cartas reservadas en la cintura en la acción de meter y sacar el dinero de su bolsillo, el cuál aparece repleto de billetes de un dólar. Curiosamente, los jugadores del cuadro están usando una baraja tamaño bridge, lo que se evidencia con mayor claridad en los naipes caídos en el suelo, (la reina de corazones y la reina de picas),  y los sostenidos por el tramposo, siendo facilmente identificarse el modelo de baraja, correspondiendo a la Piatnik "Tudor Rose". Esto no deja de sorprender, pues el empleo de cartas tamaño bridge en el juego del poker es muy raro. Estos detalles hacen más que probable que Jack Beal tuviera información de primera mano sobre el tahurismo. Jack Beal nació en Richmond (Virginia), en 1931. De niño fué animado a pintar por su madre, como medio de distraerle de los frecuentes dolores que padecía por sus frecuentes infecciones de oídos. Debido a su gran talento para el dibujo, fué animado por uno de sus profesores a abandonar la escuela y a estudiar arte, cosa que hizo en el Art Institute of Chicago desde los años 1953 a 1956, lugar en el que se formaría como pintor de estilo Expresionista abstracto, a pesar de ello trató de reintroducir el realismo en el arte, con lo que se consolidaría el movimiento "Realismo Americano". Figuras en interiores, en los que destacan telas estampadas complejas, composición diagonal y un punto de vista ligeramente por debajo del nivel del ojo del espectador son algunas de las características de sus obra. Importantísimos museos americanos como el Metropolitan Museum of Art, el Museum of Modern Art, y el Neuberger MuseumWhitney Museum, se disputan sus obras.
"Prudencia, avaricia, lujuria, justicia, ira", Jack Beal, 1977
"Jugadores de cartas", Howard Romare Bearden, 1982 - Se trata de un collage sobre tablero de fibra constituído por varios papeles, pintura, tinta y grafito con zonas blanqueadas. Se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington, Estados Unidos de America. En fotografías tomadas al artista en su estudio, en la década de 1940 puede verse en la pared una reproducción de "Los jugadores" de Paul Cézanne, lo que pondría de manifiesto su temprano interés por el tema. La escena representa una partida de naipes entre gente de color. Sostienen sus naipes de modo que puedan ser vistos por el espectador. El jugador frente al espectador ha depositado sus cartas sobre la mesa y nos dirige la mirada. Los rostros creados por Bearden tienen la propiedad de atrapar la mirada del espectador, siendo practicamente imposible mirar hacia otro lado. Howard Romare Bearden nació el día 2 de Septiembre de 1911 en Charlotte, Carolina del Norte en Estados Unidos de America.  Su madre fué una exitosa periodista de uno de los periódicos negros lider del mercado. En 1914 se mudaron desde Mecklenburg en Carolina del Norte a Harlem en Nueva York, donde creció y se aficionó al Jazz, pues entre las amistades familiares estaban músicos tan importantes como Duke Ellington. Estudió en las universidades de lincoln, y Boston, completando su educación en la de Nueva York, donde se licenciaría en Educación. Artisticamente se formó en la Universidad de Nueva York y en la Art Students League de esa misma cuidad donde uno de sus profesores sería el artista alemán George Grosz. Posteriormente en 1950 se formaría en la Sorbonne de Paris en Arte y Filosofía. Fué pintor e ilustrador con un talento excepcional, siendo considerado uno de los artistas americanos más importantes e innovadores del siglo XX. Su pintura fué al principio de estilo realista con temas religiosos, posteriormente evolucionó hacia un collage semiabstracto de estilo cubista y con temática cultural negra, constumbres, núcleo familiar y música. Son numerosos sus cuadros dedicados al Jazz, diseñó la portada de uno de los discos de Wynton Marsalis. Sus collage hechos con papeles viejos, telas, recortes de revistas fusionan fragmentos de la vida de Harlem junto a imágenes vivaces y luminosas del sur rural de America. Recibió numerosos honores en vida, siendo nombrado Doctor Honoris Causa por numerosas universidades. En 1984 fué nombrado Alcalde Honorífico de la cuidad de Nueva York y en 1987 recibió la Medalla Nacional de las Artes. Falleció de cáncer en Nueva York, el día 12 de Marzo de 1988. Ampliar infromación: Visite la Bearden Foundation                                            Wikipedia Fotografía de Frank Stewart
"Jugadores de cartas", Howard Romare Bearden, 1982
"Babinsky haciendo trampas al diablo", Paul Berenson - Se trata de un óleo sobre lienzo, pintado por Paul Berenson en el año 1994 con estilo puntillista. Sus medidas son 60,9 cm. de alto por 76,2 cm. de ancho. La escena representa una parte de la ópera "Schwanda el gaitero" de Jaromir Weinberger. Babinsky es un personaje legendario checo, similar a Robin Hood. En esta escena Schwanda ha caído en el infierno,  Babinsky trata de rescatarlo. Babinsky familiarizado con el diablo ha entrado en su almacén, robado sus joyas, que utiliza para realizar las apuestas por el alma de Schwanda que ambos van a jugarse a una partida de cartas. Babinsky conoce los trucos y artimañas que el diablo usa con los naipes, por lo que nadie quiere jugar con él. Cuando el diablo salta declarando su victoria en el juego, Babinsky saca la carta de triunfo de la bota del Diablo ganando la mano. Schwanda es devuelto a su esposa Dorotchka viviendo felices para siempre.
"Babinsky haciendo trampas al diablo", Paul Berenson
"La berlanga de la vida humana", Holbein, 1545 - En este grabado de Holbein se quiere poner de manifiesto la terrible influencia que el juego de la Berlanga tuvo en la sociedad del siglo XVI, la sencillez de sus reglas, la rapidez del juego, producían un hechizo del que era difícil sustraerse. Fueron muchas las personas que se arruinaron con dicho juego, no sólo porque las cartas les fueran adversas, sino seguramente porque fue el juego preferido de los tahúres. La influencia de este juego en la sociedad de la época ha quedado reflejada en grabados como el que nos ocupa, o en cuadros como el que se conserva en el museo de Amberes titulado "Le brelan" de Theodoor Rombouts. En la primera Enciclopedia escrita por  Diderot y D'alembert  podemos leer "No hay ningún otro juego de azar más terrible y atrayente. Es difícil jugarlo sin sentirse atrapado por, él y cuando esto sucede, ya no se pueden soportar los otros juegos". La berlanga, es un antiguo juego de origen francés, el nombre procede del francés antiguo, (le berlan), hoy se denomina "brelan". Esta palabra se usa en la actualidad para denominar la combinación formada por tres cartas del mismo valor en cualquier juego, (trío). Tuvo una gran expansión en Francia a partir del siglo XVI. Debido a la sencillez de sus normas fue el juego preferido de los tahúres, Tales fueron los excesos de estos personajes, que durante el Directorio tuvo que prohibirse. Excepto nueve, todas las casas de berlanga existentes en Francia fueron clausuradas. Anteriormente Luis XIV había intentado prohibirlo, aunque sin éxito. Como curiosidad, citaremos el pequeño opúsculo ("Una curiosa idea sobre un nuevo tipo de espectáculo"), escrito en París en 1675 por el matemático Gottfried Wilhelm. dicha obra trataba sobre la creación de una exposición permanente en la que se mostrarían al público los descubrimientos científicos más interesante de la época, proponía en dicho libreto incluir una habitación para una jugar al Berlanga dentro de una academia de juegos.
"La berlanga de la vida humana", Holbein, 1545
"Juego de la Boullotte", Jean François Bosio, 1804 - Aguafuerte de 1804, mide 36,1 cm. de alto por 48,4 cm. de ancho, se imprimió para el  "Journal des Dames”. Se encuentra en el museo Carnavalet de Historia de Paris. Representa un juego de azar nocturno, (el reloj marca las 12,22 h.), concretamente La Boullotte. Durante el Primer Imperio la forma de divertirse de la alta sociedad además de las fiestas eran los juegos de azar, las reuniones en salones de moda se prolonganban hasta altas horas de la madrugada, como puede verse en la aguafuerte no todos iban a jugar, dos parejas charlan junto a la chimenea, al fondo un hombre lee "Le Journal du Commerce". El espejo sobre la chimenea incrementa la luz proporcionada por las dos velas situadas sobre la repisa y las dos lámparas de aceite. El juego de la Bullotte fue introducido durante la Revolución Francesa como una versión regulada de un popular juego de cartas, el Brelan que venía jugándose desde el año 1600. El juego standard para cuatro jugadores usaba una baraja de Piquet de 20 cartas a la que se le quitaban los sietes, dieces y jotas con las cartas de cada palo valoradas de alto a bajo A-K-Q-9-8. La mejor mano consistía en un Belan carré consistente en cuatro cartas iguales con la ayuda de una carta vuelta, seguido del Brelan simple, o tres cartas del mismo tipo, Cuándo ninguno de los jugadores tenía tres cartas del mismo tipo, ganaba la mano aquel de ellos que tenía la carta más alta del palo al que se estaba apostando. De este aguafuerte se hicieron otras versiones como la de Louis Charles Ruotte, grabador de  “Juego de la Boullote”, francia, se trata de una acuarela y aguafuerte del primer cuarto del siglo XIX que mide 51 cm. de alto por 65 cm. de ancho y se encuentra en el museo Hermitage de San Petersburgo desde 1929.                             Jean François Bosio fué un dibujante nacido en Monaco el día 17 de Junio del año 1764. Estudió arte bajo la dirección de Jacques Louis David. Colaboró con un considerable número de obras para la exposición de La Academiés des Beaux Arts de 1793, sin embargo en las exposiciones de 1798, 1801 y 1804 aportó muy pocas obras. En la de 1801 colaboró con una obra titulada "Perro haciendo juego de cartas en una fiesta", con la que se puso de evidencia el carácter carcaturesco de gran parte de su trabajo. Fué el mayor colaborador de la serie de tres libros titulada Serie di vite e ritratti de'famosi personaggi degli ultimi tempi", (Serie de vidas y retratos de famosos personajes de los ultimos tiempos), publicados en Milan entre los años 1815 y 1818. Bosio aportó casi todos los dibujos del primer volumen, y la mitad de los dibujos del segundo y tercer volúmenes. Escribió un libro sobre dibujo titulado "Traité Élémentaire Des Règles Du Dessin", (Tratado elemental de las reglas del dibujo), publicado en 1801. Murió en Paris el día 6 de Julio del año 1827.  
"Juego de la Boullotte", Jean François Bosio, 1804
"Escalera real", Charles Alfred Meurer, 1899 - Se trata de un óleo sobre madera pintado en 1899 cuyas medidas son de 35,6 cm. de alto por 55,9 cm. de ancho. Charles Alfred Meurer nació en Horb, (Alemania), de padres americanos en el año 1865. Vivió en Ohio donde mantuvo un estudio durante muchos años, siguió pintando a pesar de haberle sido amputadas ambas piernas. Pintó con un estilo conocido como "trompe l'oeil, (trampantojo). Muchas de sus obras tienen como tema reproducciones de dinero. Murió en el año 1955.
"Escalera real", Charles Alfred Meurer, 1899
"Jugadores de naipes" Charles Hunt, 1891 - Oleo sobre lienzo de 49 cm. x 59 cm. pertenece a una colección privada. En un interior tan al uso en la obra de Charles Hunt dos jugadores juegan a los naipes, éstos como puede verse ya tienen diseño en los dorsos como corresponde a la época retratada, principios del siglo XIX. En la partida parece no haber apuestas y ser de las de para pasar un rato a juzgar por la expresión de jovialidad del jugador de la izquierda del cuadro. El jugador de la derecha aparece con el semblante mucho más serio, más concentrado en el juego. En sus manos sostiene el tres de diamante, el cuatro de diamantes y el cinco de picas al que sostiene por sus índices como si dudara o estuviera pensando en cambiarlo por el cinco de diamantes que hay en el suelo junto a su pie, ya que éste le completa la baza. Es evidente que está haciendo trampas. O tal vez no sea todo más que una ironía del pintor, mientras el jugador piensa que con un cinco de diamantes tendría su baza hecha, éste yace el el suelo tal vez caído accidentalmente. La composición de la escena es triangular, aunque predominan los colores beige la paleta cromática es más rica de lo que pueda parecer a simple vista. La luz con la que ilumina la mesa hace que la mirada del espectador se dirija hacia ella con determinación, con lo que destacan la baraja y las jugadas de los jugadores tema principal del cuadro. Charle Hunt fué un pintor de la época victoriana inglesa, nació en 1803. Especializado en tematicas de género de la vida rural principalmente, sus escenas interiores están llenas de encanto, su nombre es sinonimo de excelencia en la pintura de animales. Otra de sus temáticas más reconocibles son las escenas de escuela con traviesos niños que mostraban una picardía conscientemente encantadora. La raíz de esta temática hay que buscarla al final del siglo XVIII con artistas como Jean-Baptiste Greuze, Sir Joshua Reynolds o Sir Thomas Lawrence siendo ampliamente demandada por los mercados de arte internacional. Sólo al final de sus días Charles Hunt expuso en la Real Academia de Londres, entre 1862 y 1873, antes lo había hecho principalmente en exposiciones comerciales. Algunas de sus obras en esta institución son "la escena del banquete", y "Hagan paso al gran jurado". Murió el día 15 de Noviembre de 1877.
"Jugadores de naipes" Charles Hunt, 1891
"Damas jugando a las tabas", fresco ruinas de Herculano - Se trata de un mosaico encontrado en las ruinas de Herculano, que se conserva en el Museo Nacional de Nápoles. Este mosaico nos pone de manifiesto la pasión que los antiguos romanos sintieron por el juego, en especial por los dados, que heredaron de los etruscos. Entre las ruinas de Pompeya, los dados son objetos comunes, los podemos encontrar fabricados con arcilla, cristal, o marfil en su versión más lujosa. En la escena se ve un grupo de mujeres jugando al antiguo juego de "Talis" o tabas.
"Damas jugando a las tabas", fresco ruinas de Herculano
"Bebedores y fumadores", David teniers, 1631-1640 - Se trata de un óleo sobre tabla perteneciente a la Escuela Flamenca, pintado en el año 1652. Mide 34 cm. de alto por 48 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, a donde llegó desde la colección Real, (la obra ya constaba en un inventario realizado en 1746 en la colección de la Reina Isabel Farnesio.) David teniers pintó lo que era un tema habitual en su época, la vida en el interior de una taberna. El cuadro representa una escena principal en la que vemos a un grupo de tres personajes disfrutando del tabaco de forma expresiva. Al fondo de la escena, en un segundo plano, aparece una mesa de juego en la que puede verse cuatro jugadores, (a su vez observados por otros dos fumadores). El jugador de la derecha mira fijamente sus cartas, el ambiente de ésta segunda escena, magistralmente pintada transpira tranquilidad. (ver recorte). En este cuadro, el autor nos muestra su pericia en el manejo de las sombras y de la perspectiva.  David Teniers, (El joven), nació en Amberes Bélgica el 15 de Diciembre del año 1610, fué hijo de David Teniers I también pintor. En sus inicios como pintor siguió la línea de su padre, pero pronto se decantaría por la pintura de género, (escenas rurales de campesinos, jugadores etc), que eran muy apreciados en esa época en los Paises Bajos, donde gustaba ver representados la vida y actos de las gentes más humildes. Estos temas pictóricos eran considerados en otros paises como indignos para un pintor de renombre. En 1638 ingresó en el Gremio de San Lucas, (del que más tarde sería Decano), fué protegido de Antonio Tries, (Obispo de Gante), posteriormente pasó a trabajar para el Archiduque Leopoldo Guillermo, (Gobernador de los Paises Bajos), quién era un gran amante de la pintura. Teniers contribuyó en la adquisición de las diferentes obras que formaban la magnífica colección del Archiduque, de la que fué conservador. En 1651 fué nombrado pintor de la corte, por lo que trasladó su domicilio a Bruselas, cuidad en la que moriría el 25 de Abril del año 1690.          
"Bebedores y fumadores", David teniers, 1631-1640
"Cuerpo de guardia", David Teniers, 1642 - Se trata de un óleo sobre tabla cuyas medidas son 69 cm. de alto por 103 cm. de ancho. Fué pintado en 1642. Se encuentra en el Museo del Hermitage en San Petersburgo, (Rusia). Se representa en la obra un cuarto de soldados típico del siglo XVII, en el vemos a los mismos ocupados en distintos quehaceres. A la izquierda tres de estos soldados se entretienen jugando a las cartas, parece ser, por la forma de sujetarlas el jugador de la derecha, un juego de descarte tipo brisca. La luz procede de la parte izquierda del cuadro, quedando los jugadores y sus observadores en penumbra, lo que da la oportunidad a Tieners de demostrar su maestría en el manejo de luces y sombras. David Teniers, (El joven), nació en Amberes Bélgica el 15 de Diciembre de 1610, fué hijo de David Teniers I también pintor. En sus inicios como pintor siguió la línea de su padre, pero pronto se decantaría por la pintura de género, (escenas rurales de campesinos, jugadores etc), que eran muy apreciados en esa época en los Paises Bajos, donde se gustaba de ver representados la vida y actos de las gentes más humildes. Estos temas pictóricos eran considerados en otros paises como indignos para un pintor de renombre. En 1638 ingresó en el Gremio de San Lucas, (del que más tarde sería Decano), fué protegido de Antonio Tries, (Obispo de Gante), posteriormente pasó a trabajar para el Archiduque Leopoldo Guillermo, (Gobernador de los Paises Bajos), quién era un gran amante de la pintura. Teniers contribuyó en la adquisición de las diferentes obras que formaban la magnífica colección del Archiduque, de la que fué conservador. En 1651 fué nombrado pintor de la corte, por lo que trasladó su domicilio a Bruselas, cuidad en la que moriría el 25 de Abril de 1690.
"Cuerpo de guardia", David Teniers, 1642
"Hombre y mujer fumando en pipa", David Teniers - Se trata de un óleo sobre lienzo cuyas medidas son 35.5 cm. de alto por 47 cm., de ancho, pertenece al estilo barroco flamenco y se encuentra en una colección privada. En esta obra, la escena principal no es la partida de naipes, si no que ésta aparece al fondo del cuadro como complemento al ambiente de la taberna en la que se desarrolla la acción. Unos personajes de baja condición, a juzgar por sus ropajes juegan a los naipes. De acuerdo a la técnica de Teniers, ésta escena secundaria está tratada sin los detalles con que trata la escena principal, en la que aparece un hombre y una mujer fumando en pipa. La luz se proyecta como en la mayoría de obras de David teniers desde arriba y a la izquierda. David Teniers, (El joven), nació en Amberes Bélgica el 15 de Diciembre de 1610, fué hijo de David Teniers I también pintor. En sus inicios como pintor siguió la línea de su padre, pero pronto se decantaría por la pintura de género, (escenas rurales de campesinos, jugadores etc), que eran muy apreciados en esa época en los Paises Bajos, donde se gustaba de ver representados la vida y actos de las gentes más humildes. Estos temas pictóricos eran considerados en otros paises como indignos para un pintor de renombre. En 1638 ingresó en el Gremio de San Lucas, (del que más tarde sería Decano), fué protegido de Antonio Tries, (Obispo de Gante), posteriormente pasó a trabajar para el Archiduque Leopoldo Guillermo, (Gobernador de los Paises Bajos), quién era un gran amante de la pintura. Teniers contribuyó en la adquisición de las diferentes obras que formaban la magnífica colección del Archiduque, de la que fué conservador. En 1651 fué nombrado pintor de la corte, por lo que trasladó su domicilio a Bruselas, cuidad en la que moriría el 25 de Abril de 1690.
"Hombre y mujer fumando en pipa", David Teniers
"Escena de juego en una taberna", David Teniers, 1647-49 - Se trata de un óleo sobre tabla pintado entre los años 1647 y 1649, cuyas medidas son 40,2 cm. de alto por 70,9 cm, de ancho. Se encuentra en la colección Wallace de Londres, (Inglaterra). La luz que ilumina la escena, como casi siempre desde la izquierda en la obra de Teniers, cae de lleno sobre el jugador situado a la izquierda de la mesa, que se encuentra contando monedas, o tal vez en actitud de lanzar unos dados, ya que junto a la baraja hay dados, el mazo de cartas permanece sin desordenar sobre la mesa, mostrando sus dorsos de color blanco, tal y como eran en época del artista. Los jugadores parecen ser de la clase media, tal vez comerciantes, ya que sus vestiduras a pesar de no ser excesivamente lujosas son mucho menos modestas que las de otros personajes pintados por David Teniers, por ejemplo las del grupo situado en la escena secundaria, al fondo del cuadro. La composición también es típica de Tieners, el interior de la taberna se halla dividido en dos espacios, en el más cercano al espectador se desarrolla la escena principal, mientras que el más alejado es usado para colocar la escena secundaria, que normalmente complementa el ambiente. David Teniers, (El joven), nació en Amberes Bélgica el 15 de Diciembre de 1610, fué hijo de David Teniers I también pintor. En sus inicios como pintor siguió la línea de su padre, pero pronto se decantaría por la pintura de género, (escenas rurales de campesinos, jugadores etc), que eran muy apreciados en esa época en los Paises Bajos, donde se gustaba de ver representados la vida y actos de las gentes más humildes. Estos temas pictóricos eran considerados en otros paises como indignos para un pintor de renombre. En 1638 ingresó en el Gremio de San Lucas, (del que más tarde sería Decano), fué protegido de Antonio Tries, (Obispo de Gante), posteriormente pasó a trabajar para el Archiduque Leopoldo Guillermo, (Gobernador de los Paises Bajos), quién era un gran amante de la pintura. Teniers contribuyó en la adquisición de las diferentes obras que formaban la magnífica colección del Archiduque, de la que fué conservador. En 1651 fué nombrado pintor de la corte, por lo que trasladó su domicilio a Bruselas, cuidad en la que moriría el 25 de Abril de 1690.
"Escena de juego en una taberna", David Teniers, 1647-49
"Monos en una bodega", David Teniers el Joven, 1660 - Otro de los temas preferidos de David Teniers, pues aparece de forma recurrente en su obra, es el retrato de monos a los que coloca en actitudes típicamente humanas, bebiendo, fumando y como en este caso jugando a los naipes. Se trata de pintura alegórica, en las que Teniers critica las bajezas humanas sirviéndose del animal más parecido al hombre. El cuadro está compuesto como en sus demás obras por dos espacios en los que se desarrollan dos escenas distintas. La luz como siempre viene de arriba y a la izquierda. A la izquierda un grupo de monos están jugando, fumando y bebiendo, al fondo sobre una mesa se desarrolla otra partida, esta es menos detallada por el artista, lo que contribuye a crear profundidad. Obsérvese que los dorsos de los naipes aparecen en blanco, (sin diseño en los mismos), tal y como corresponde a la época, ya que los dibujos sobre los mismos no empezaron a imprimirse hasta bien entrado el siglo XVII. David Teniers, (El joven), nació en Amberes Bélgica el 15 de Diciembre de 1610, fué hijo de David Teniers I también pintor. En sus inicios como pintor siguió la línea de su padre, pero pronto se decantaría por la pintura de género, (escenas rurales de campesinos, jugadores etc), que eran muy apreciados en esa época en los Paises Bajos, donde se gustaba de ver representados la vida y actos de las gentes más humildes. Estos temas pictóricos eran considerados en otros paises como indignos para un pintor de renombre. En 1638 ingresó en el Gremio de San Lucas, (del que más tarde sería Decano), fué protegido de Antonio Tries, (Obispo de Gante), posteriormente pasó a trabajar para el Archiduque Leopoldo Guillermo, (Gobernador de los Paises Bajos), quién era un gran amante de la pintura. Teniers contribuyó en la adquisición de las diferentes obras que formaban la magnífica colección del Archiduque, de la que fué conservador. En 1651 fué nombrado pintor de la corte, por lo que trasladó su domicilio a Bruselas, cuidad en la que moriría el 25 de Abril de 1690.
"Monos en una bodega", David Teniers el Joven, 1660
"Escena de taberna", David Teniers el Joven - Se trata de un óleo sobre tabla de 48,7 cm. de alto por  68,7 cm. de ancho. Se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington, (Estados unidos). En esta escena típica de una taberna del siglo XVII la partida de cartas es el tema central de la obra, al contrario que en muchos otros cuadros de Teniers, en los que ésta se situa en segundo plano, como ambientación de la vista principal. Tres personajes juegan a los naipes, el de la izquierda hace partícipe al espectador del cuadro involucrándolo en la escena, ya que mira al mismo, al tiempo que le enseña sus cartas, que parecen ser ganadoras. El jugador de la derecha se deja aconsejar por el personaje del centro. El dorso de los naipes son de color blanco, david Teniers no conoció otros, pues los mismos no comenzaron a imprimirse dadas las deficincias técnicas y del papel hasta bien entrado el siglo XVIII. La partida es contemplada por otros dos personajes en actitud de fumar, (tema este muy común en la obra de Tieners). La luz proviene de la parte alta y a la izquierda de la escena, como si procediera de una ventana que ha quedado fuera del plano pictórico. David Teniers, (El joven), nació en Amberes Bélgica el 15 de Diciembre de 1610, fué hijo de David Teniers I también pintor. En sus inicios como pintor siguió la línea de su padre, pero pronto se decantaría por la pintura de género, (escenas rurales de campesinos, jugadores etc), que eran muy apreciados en esa época en los Paises Bajos, donde se gustaba de ver representados la vida y actos de las gentes más humildes. Estos temas pictóricos eran considerados en otros paises como indignos para un pintor de renombre. En 1638 ingresó en el Gremio de San Lucas, (del que más tarde sería Decano), fué protegido de Antonio Tries, (Obispo de Gante), posteriormente pasó a trabajar para el Archiduque Leopoldo Guillermo, (Gobernador de los Paises Bajos), quién era un gran amante de la pintura. Teniers contribuyó en la adquisición de las diferentes obras que formaban la magnífica colección del Archiduque, de la que fué conservador. En 1651 fué nombrado pintor de la corte, por lo que trasladó su domicilio a Bruselas, cuidad en la que moriría el 25 de Abril de 1690
"Escena de taberna", David Teniers el Joven
"Alegre partida", Dirck Hals, 1628 - Se trata de un óleo sobre tabla, fué pintado por Dirk Hals en 1628, sus medidas son 27,5 cm. de alto por  36 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo Hermitage de San Petersburgo, Rusia. La escena representa una fiesta en la que se se está fumando, bebiendo, y comiendo en exceso, (tema éste recurrente en Dirck Hals). Aunque sobre la mesa hay una baraja y algunos naipes desparramados por el suelo, no se trata de un cuadro sobre juego de azar, tal vez el autor los haya colocado para evidenciar el caracter díscolo de los personajes asistentes a la fiesta. Dirck Hals nació el día 19 de Marzo de 1591 en Haarlem, Holanda. Era hijo del pintor Fransz Hals, tuvo otros dos hermanos también pintores: el afamado Frans Hals (1580/85–1666) y Joost Hals. Su primera formación estuvo a cargo de su hermano Frans, que ya en el año 1610 pertenecía a la cofradía de pintores, (Guilda de San Lucas). En 1620 se casó con Agneta Jansdr con la que tendría su único hijo, Antonie Hals, (1621-1691), que andando el tiempo también sería pintor de género y retratista, (se le menciona por primera vez como pintor en Amsterdam el día 21 de Junio de 1652). Hals fué fundamentalmente un pintor de género, su tema preferido eran escenas constumbristas de la gente acomodada de su época, por lo general sus cuadros representan las fiestas, bailes y comidas de esta parte de la sociedad holandesa, siempre en un ambiente jovial y distendido. Los rostros de sus personajes son expresivos, presta especial atención a los detalles de las vestiduras. Dirck Hals murió en Haarlem el día 17 de mayo de 1656, fué enterrado en la iglesia de Begijnhofkerk. 
"Alegre partida", Dirck Hals, 1628
"Doctrina filorum", Anónimo, 1568-1572 - Grabado de una de las páginas del libro "De doctrina filiorum", (de la instrucción de los hijos), de 1572 impreso por Heinrich Petri y Tobias Stimmer en Basilea, Suiza. Sus medidas son 4,7 cm. de alto por 7 cm. de ancho. Se encuentra en el British Museum de Londres, Inglaterra. Reproducida en una edición latina de la obra satírica de Sebastian Brant "La nave de los locos", (Das Narrenschiff, Ship of Fools), sucesión de 112 cuadros críticos, (el número puede variar dependiendo de las ediciones), acompañados cada uno con un grabado, en los que Sebastian Brant critica los vicios de su época a partir de la denuncia de distintos tipos de necedad o estupidez. En esta lámina en concreto puede verse una escena familiar, en primer plano dos de los personajes juegan a los naipes en el suelo. a pesar de que no juegan por dinero parecen ensimismados por completo en la partida, estando ajenos a cuánto acontece a su alrededor. La situación de los jugadores en este primer plano atrae con fuerza la mirada del espectador.
"Doctrina filorum", Anónimo, 1568-1572
"Partida de cartas", Eeuert Wyntgis, 1600 - Se trata de una acuarela y tinta marrón sobre papel, dibujada en 1600. Mide 52,8 cm. de alto por 28,5 cm. de ancho. Se encuentra en el British Museum de Londres que lo adquirió en 1882. La escena representa una partida de naipes entre un caballero y un monje, observados por dos damas. El monje sujeta sus naipes en su mano derecha, mientras que el caballero lo hace con la mano izquierda, la atención de ambos jugadores parece estar centrada en los naipes que se suponen sobre la mesa de juego. Una de las damas sostiene en su mano derecha una gran copa de cristal, mientras que la otra coloca su mano sobre el hombro del caballero, gesto nada usual en esa época, como si el artista quisiera exagerar el ambiente de banalidad en que se desarrolla la acción, tal vez las damas sean en realidad cortesanas. Son numerosas las pinturas, grabados y dibujos en los que aparecen personajes de la Iglesia Católica jugando a los naipes, muchos de estas obras reflejan la realidad histórica del momento, pues los componentes de la iglesia como mortales que son, nunca fueron ajenos a la pasión del juego, a pesar de su doble e hipócrita actitud. Otros son sátiras burlonas de esta doble moral eclesiástica. Eeuert Wyntgis fue un pintor y dibujante holandés nacido entre 1625 y 1632
"Partida de cartas", Eeuert Wyntgis, 1600
"Fabrica de naipes en Paris", A. Feart, 1683-84 - Este gouache sobre un abanico no montado está fechado en 1683-84, está basado en el dibujo de A. Feart de 1680. Se conserva en el Museo Carnavalet de Paris. Representa una fábrica de naipes que por aquella época se encontraba en la plaza Dauphine de Paris. La vista es desde el interior, a través de la ventana se puede ver a la derecha el Louvre con su gran galería, y a la izquierda el Colegio de las Cuatro Naciones, acabado en 1684. El puente Nuevo con la estatua de Enrique IV y el puente rojo o de Barbiers destruído por una crecida del Sena en 1684, y sustituído por el actual Puente real, construído entre 1685 y 1689. Todos éstos elementos ayudan a situar la escena cronlógicamente. En la misma pueden apreciarse los distintos oficios que eran necesarios desarrollar para la confección de una baraja de naipes. Los entintadores de los moldes aparecen al frente, entintando de rojo y amarillo. A la derecha del cuadro el impresor, manejando la prensa, junto a él el encargado de cortar los naipes a bandas, una vez secos los pliegos de papel, posteriormente se cortarán individualmente, estando situado este cortador trás los entintadores. El secadero se representa arriba y a la izquierda del dibujo. A la izquierda del dibujo, el dueño del taller y su esposa verifican la calidad de los naipes recién confeccionados.
"Fabrica de naipes en Paris", A. Feart, 1683-84
"Fábrica de cartas en Paris", A. Feart, 1680 - Dibujo de A. Feart de 1680. Representa una fábrica de naipes que por aquella época se encontraba en la plaza Dauphine de Paris. La vista es desde el interior, a través de la ventana se puede ver a la derecha el Louvre con su gran galería, y a la izquierda el Colegio de las Cuatro Naciones, acabado en 1684. El puente Nuevo con la estatua de Enrique IV y el puente rojo o de Barbiers destruído por una crecida del Sena en 1684, y sustituído por el actual Puente real, construído entre 1685 y 1689. Todos éstos elementos ayudan a situar la escena cronlógicamente. En la misma pueden apreciarse los distintos oficios que eran necesarios desarrollar para la confección de una baraja de naipes. Los entintadores de los moldes aparecen al frente, entintando de rojo y amarillo. A la derecha del cuadro el impresor, manejando la prensa, junto a él el encargado de cortar los naipes a bandas, una vez secos los pliegos de papel, posteriormente se cortarán individualmente, estando situado este cortador trás los entintadores. El secadero se representa arriba y a la izquierda del dibujo. A la izquierda del dibujo, el dueño del taller y su esposa verifican la calidad de los naipes recién confeccionados. Basándose en este dibujo se hicieron varias versiones como la del gouache sobre papel hecho para un abanico en los años 1683 o 1684, o para ilustrar libros como por ejemplo “Les Cartes a Jouer” de Henry Rene d’Allemagne,
"Fábrica de cartas en Paris", A. Feart, 1680
"Desnudo jugando a los naipes", Felix Vallotton - Se trata de un óleo sobre lienzo pintado en 1912, de estilo realismo mágico. Se encuentra en el Museo Kunsthaus de Zürich, Suiza. Se trata de un desnudo femenino que se encuentra absorto en la realización de un solitario, éste se ejecuta sobre un cojín colocado en el suelo. El diseño del naipe de trébol, (ocho de trébol), muestra claramente que el artista se basó en una baraja de corte francesa. Felix Vallotton nació en Lausanna, (Suiza), el día 28 de Diciembre de 1865. Tras estudiar latín y griego, con 17 años viaja a París para aprender pintura en la Académie Julian, en marzo de 1883 supera el concurso de ingreso a L'École des Beaux-Arts. Perteneció a la corriente de arte nabis, fundada por Paul Sérusier, caracterizada por su reacción contra el movimiento impresionista y el empleo de colores planos. El nombre nabis, derivado del Hebreo navi ,(vidente o profeta), se eligió por la actitud de este grupo hacia la disciplina artística a la que consideraban casi una doctrina religiosa Estuvieron muy influidos por la xilografía japonesa y por la pintura simbolista francesa. Se le clasifica como postimpresionista o art nouveau. Vallotton murió en Paris en Noviembre 1925
"Desnudo jugando a los naipes", Felix Vallotton
"Partida de Poker", Felix Vallotton, 1902 - Se trata de un óleo sobre lienzo pintado en 1902. Mide 52,5 cm. de alto por 67,5 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo de Orsay. París. Francia. Se trata de una escena de interior en un espacio angosto y oscuro a modo de escena de teatro. En el fondo a la izquierda, sitúa el artista un grupo de cinco jugadores de Poker, (tres hombres y dos mujeres), al que parece conducirnos la mirada la estratégica colocación de la mesa que se encuentra en primer plano. La escasa luz que procede de las dos lamparas de pie contribuye también a destacar el grupo de personajes, al tiempo que da a la escena una atmosfera de calidez ambiental. Felix Vallotton nació en Lausanna, (Suiza), el día 28 de Diciembre de 1865. Tras estudiar latín y griego, con 17 años viaja a París para aprender pintura en la Académie Julian, en marzo de 1883 supera el concurso de ingreso a L'École des Beaux-Arts. Perteneció a la corriente de arte nabis, fundada por Paul Sérusier, caracterizada por su reacción contra el movimiento impresionista y el empleo de colores planos. El nombre nabis, derivado del Hebreo navi ,(vidente o profeta), se eligió por la actitud de este grupo hacia la disciplina artística a la que consideraban casi una doctrina religiosa Estuvieron muy influidos por la xilografía japonesa y por la pintura simbolista francesa. Se le clasifica como postimpresionista o art nouveau. Vallotton murió en Paris en Noviembre 1925
"Partida de Poker", Felix Vallotton, 1902
"Jugadores de cartas", Fernando Botero, 2010 - En este cuadro Botero nos ofrece el retrato de un jugador, en principio parece estar haciendo un solitario, aunque la mano situada en la esquina inferior derecha del cuadro nos revela que está acompañado y que muy posiblemente no se encuentre jugando sólo, pues su mirada se dirige de soslayo a la izquierda como si quisiese estar atento al juego de otros jugadores, tal vez una jugadora a juzgar por la mano siruada en la esquina inferior derecha del cuadro. Este cuadro es fiel al estilo primitivista de Botero o arte naif, la paleta cromática es limitadísima, a lo sumo cuatro colores. A este ambiente de juego de azar siempre gusta Botero acompañarlo de otros vicios que se suponen van de la mano como el alcohol y el tabaco. Fernando Botero nace en Medellin, Antioquía, Colombia el 19 de Abril del año 1932.Su primera exposición la realizó en su cuidad natal en 1948. En 1952 se traslada a Madrid, donde estudia en la academia de bellas artes San Fernando, es un asiduo visitante del museo Del Prado, donde admira a Velazquez y Goya, de cuyas obras realizará numerosas copias. En 1958 es nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de la universidad Nacional de Colombia. La temática de Botero gira en torno a escenas constumbristas, sus obras son realizadas con pinceladas sueltas, colores oscuros y ocasionalmente fuertes contrastes. Su pintura es mundialmente reconocida, tanto por niños como por adultos, debido sobre todo a la particular forma de representar la anatomía humana, sus figuras aparecen como infladas dado a que exagera las formas y proporciones. Es actualmente un icono del arte mundial, es un artista polifacético habiendo obtenido el mismo exito como escultor o muralista. Sus obras colman hoy los más importantes museos del mundo, los premios y honores obtenidos por Botero han sido numerosos. En 2008 obtuvo el Doctorado Honoris Causa por la Universidad Autónoma de Nuevo León en la cuidad mexicana de Monterrrey. Es un artista comprometido con la sociedad, en sus obras aconstumbra a denunciar la situación política colombiana y mundial, como hizo por ejemplo con su serie de 78 oleos sobre los horrores de la guerra y la tortura en Abu Ghraib, durante la invasión de los Estados Unidos a Irak.    
"Jugadores de cartas", Fernando Botero, 2010
"Jugadores de cartas", Fernando Botero, 1996 - La temática del juego será retomada por Botero en numerosas ocasiones durante su carrera. Este cuadro pintado en 1996 representa un grupo de jugadores, se trata de un oleo sobre lienzo de 118 cm de alto por 154 cm. de ancho. La escena representa una partida de naipes entre tres jugadores, dos hombres y una mujer, ésta mantiene ocultos bajo sus nalgas dos naipes con los que pretende hacer trampas. Ellos mantienen sus naipes y juegan sin sospechar que trás los encantos de su oponente se oculta un tahúr. Fernando Botero nace en Medellin, Antioquía, Colombia el 19 de Abril del año 1932.Su primera exposición la realizó en su cuidad natal en 1948. En 1952 se traslada a Madrid, donde estudia en la academia de bellas artes San Fernando, es un asiduo visitante del museo Del Prado, donde admira a Velazquez y  Goya, de cuyas obras realizará numerosas copias. En 1958 es nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de la universidad Nacional de Colombia. La temática de Botero gira  en torno a escenas constumbristas, sus obras son realizadas con pinceladas sueltas, colores oscuros y ocasionalmente fuertes contrastes. Su pintura es mundialmente reconocida, tanto por niños como por adultos, debido sobre todo a la particular forma de representar la anatomía humana, sus figuras aparecen como infladas dado a que exagera las formas y proporciones. Es actualmente un icono del arte mundial, es un artista polifacético habiendo obtenido el mismo exito  como escultor o muralista. Sus obras colman hoy los más importantes museos del mundo, los premios y honores obtenidos por Botero han sido numerosos. En 2008 obtuvo el Doctorado Honoris Causa por la Universidad Autónoma de Nuevo León en la cuidad mexicana de Monterrrey. Es un artista comprometido con la sociedad, en sus obras aconstumbra a denunciar la situación política colombiana y mundial, como hizo por ejemplo con su serie de 78 oleos sobre los horrores de la guerra y la tortura en Abu Ghraib, durante la invasión de los Estados Unidos a Irak.
"Jugadores de cartas", Fernando Botero, 1996
"Jugadores de cartas", Fernando Botero, 1998 - Óleo sobre lienzo pintado en 1998. La temática del juego será retomada por Botero en numerosas ocasiones durante su carrera, el cuadro que nos ocupa representa una pareja de jugadores, como ya es común en numerosos cuadros de Botero, uno de ellos hace trampas, el situado de espaldas al espectador. Mantiene oculto bajo sus nalgas una carta por si fuera necesaria en un momento dado, (técnica de tahurismo conocida como holdout). Su oponente mira sus cartas con una mueca mezcla de disgusto, aburrimiento e incredulidad, las mismas no deben ser muy buenas, a juzgar por las que el tahúr ha volcado sobre la mesa y las que todavía mantiene en su mano izquierda. Como siempre Botero resuelve el tema con colores fuertemente contrastados entre ellos. Fernando Botero nace en Medellin, Antioquía, Colombia el 19 de Abril del año 1932.Su primera exposición la realizó en su cuidad natal en 1948. En 1952 se traslada a Madrid, donde estudia en la academia de bellas artes San Fernando, es un asiduo visitante del museo Del Prado, donde admira a Velazquez y Goya, de cuyas obras realizará numerosas copias. En 1958 es nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de la universidad Nacional de Colombia. La temática de Botero gira en torno a escenas constumbristas, sus obras son realizadas con pinceladas sueltas, colores oscuros y ocasionalmente fuertes contrastes. Su pintura es mundialmente reconocida, tanto por niños como por adultos, debido sobre todo a la particular forma de representar la anatomía humana, sus figuras aparecen como infladas dado a que exagera las formas y proporciones. Es actualmente un icono del arte mundial, es un artista polifacético habiendo obtenido el mismo exito como escultor o muralista. Sus obras colman hoy los más importantes museos del mundo, los premios y honores obtenidos por Botero han sido numerosos. En 2008 obtuvo el Doctorado Honoris Causa por la Universidad Autónoma de Nuevo León en la cuidad mexicana de Monterrrey. Es un artista comprometido con la sociedad, en sus obras aconstumbra a denunciar la situación política colombiana y mundial, como hizo por ejemplo con su serie de 78 oleos sobre los horrores de la guerra y la tortura en Abu Ghraib, durante la invasión de los Estados Unidos a Irak.
"Jugadores de cartas", Fernando Botero, 1998
"Jugadores de cartas", Fernando Botero, 1991 - Se trata de un óleo sobre lienzo cuyas medidas son 152 cm. de alto por 181 cm. de ancho. Representa un grupo de tres jugadores de cartas, éstos son observados por un sacerdote que se deja ver trás las cortinas del fondo, la escena tiene una doble lectura pues la partida parece transcurrir en un burdel. El jugador de la izquierda mantiene ocultos bajo sus nalgas unos naipes con la intención de hacer trampas en el juego. Este recurso es muy utilizado en la pintura de Botero en los cuadros con esta temática. Fernando Botero nace en Medellin, Antioquía, Colombia el 19 de Abril del año 1932.Su primera exposición la realizó en su cuidad natal en 1948. En 1952 se traslada a Madrid, donde estudia en la Academia de Bellas Artes San Fernando, es un asiduo visitante del museo Del Prado, donde admira a Velazquez y Goya, de cuyas obras realizará numerosas copias. En 1958 es nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de la universidad Nacional de Colombia. La temática de Botero gira en torno a escenas constumbristas, sus obras son realizadas con pinceladas sueltas, colores oscuros y ocasionalmente fuertes contrastes. Su pintura es mundialmente reconocida, tanto por niños como por adultos, debido sobre todo a la particular forma de representar la anatomía humana, sus figuras aparecen como infladas dado a que exagera las formas y proporciones. Es actualmente un icono del arte mundial, es un artista polifacético habiendo obtenido el mismo exito como escultor o muralista. Sus obras colman hoy los más importantes museos del mundo, los premios y honores obtenidos por Botero han sido numerosos- En 2008 obtuvo el Doctorado Honoris Causa por la Universidad Autónoma de Nuevo León en la cuidad mexicana de Monterrrey. Es un artista comprometido con la sociedad, en sus obras aconstumbra a denunciar la situación política colombiana y mundial, como hizo por ejemplo con su serie de 78 oleos sobre los horrores de la guerra y la tortura en Abu Ghraib,durante la invasión de los Estados Unidos a Irak.
"Jugadores de cartas", Fernando Botero, 1991
"Jugadores de cartas", Fernando Botero, 2003 - Oleo sobre lienzo pintado en 2003, mide 79 cm de alto por 89 cm. de ancho. La escena se desrrolla tal vez en un burdel, representa dos personajes jugando a las cartas. Uno de ellos femenino posa sin ropas, el otro más cercano al espectador mantiene bajo sus nalgas unos buenos naipes con las que pretende hacer trampas a su adversario, el As de trébol y el As de diamantes; esta forma de mantener las cartas ocultas aparece en otras obras de Botero. Al mismo tiempo vuelve las cartas que sostiene en su mano derecha hacia el espectador, haciéndole partícipe de la jugada. Fernando Botero nace en Medellin, Antioquía, Colombia el 19 de Abril del año 1932.Su primera exposición la realizó en su cuidad natal en 1948. En 1952 se traslada a Madrid, donde estudia en la academia de bellas artes San Fernando, es un asiduo visitante del museo Del Prado, donde admira a Velazquez y Goya, de cuyas obras realizará numerosas copias. En 1958 es nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de la universidad Nacional de Colombia. La temática de Botero gira en torno a escenas constumbristas, sus obras son realizadas con pinceladas sueltas, colores oscuros y ocasionalmente fuertes contrastes. Su pintura es mundialmente reconocida, tanto por niños como por adultos, debido sobre todo a la particular forma de representar la anatomía humana, sus figuras aparecen como infladas dado a que exagera las formas y proporciones. Es actualmente un icono del arte mundial, es un artista polifacético habiendo obtenido el mismo exito como escultor o muralista. Sus obras colman hoy los más importantes museos del mundo, los premios y honores obtenidos por Botero han sido numerosos, En 2008 obtuvo el Doctorado Honoris Causa por la Universidad Autónoma de Nuevo León en la cuidad mexicana de Monterrrey. Es un artista comprometido con la sociedad, en sus obras aconstumbra a denunciar la situación política colombiana y mundial, como hizo por ejemplo con su serie de 78 oleos sobre los horrores de la guerra y la tortura en Abu Ghraib, durante la invasión de los Estados Unidos a Irak.
"Jugadores de cartas", Fernando Botero, 2003
"Jugadores de naipes", Fernando Botero, 1989 - La temática del juego será retomada por Botero en numerosas ocasiones durante su carrera. Se trata de un oleo sobre lienzo cuyas medidas son 159,4 cm. de alto por 201,6 cm. de ancho. Este cuadro representa una partida de naipes entre dos parejas, las jugadoras aparecen desnudas, tal vez este hecho junto con la presencia de la camarera, ponga de manifiesto que la partida transcurre en un burdel. Dos de los jugadores están haciendo trampas. El sentado de espaldas al espectador mantiene ocultos unos naipes en su espalda. La jugadora de la izquierda recibe de un compinche un naipe con el que completar su jugada, junto a ella en el suelo aparecen otros naipes desechados por este atípico tahúr. Fué vendido en una subasta organizada por Sotheby’s el 20 de noviembre de 2006 en 1.696.000 dólares. Fernando Botero nace en Medellin, Antioquía, Colombia el 19 de Abril del año 1932.Su primera exposición la realizó en su cuidad natal en 1948. En 1952 se traslada a Madrid, donde estudia en la academia de bellas artes San Fernando, es un asiduo visitante del museo Del Prado, donde admira a Velazquez y Goya, de cuyas obras realizará numerosas copias. En 1958 es nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de la universidad Nacional de Colombia. La temática de Botero gira en torno a escenas constumbristas, sus obras son realizadas con pinceladas sueltas, colores oscuros y ocasionalmente fuertes contrastes. Su pintura es mundialmente reconocida, tanto por niños como por adultos, debido sobre todo a la particular forma de representar la anatomía humana, sus figuras aparecen como infladas dado a que exagera las formas y proporciones. Es actualmente un icono del arte mundial, es un artista polifacético habiendo obtenido el mismo exito como escultor o muralista. Sus obras colman hoy los más importantes museos del mundo, los premios y honores obtenidos por Botero han sido numerosos. En 2008 obtuvo el Doctorado Honoris Causa por la Universidad Autónoma de Nuevo León en la cuidad mexicana de Monterrrey. Es un artista comprometido con la sociedad, en sus obras aconstumbra a denunciar la situación política colombiana y mundial, como hizo por ejemplo con su serie de 78 oleos sobre los horrores de la guerra y la tortura en Abu Ghraib, durante la invasión de los Estados Unidos a Irak.
"Jugadores de naipes", Fernando Botero, 1989
"Jugadores de cartas", Fernando Botero, 1989. - Se trata de un óleo sobre lienzo pintado en el año 1989. Representa un grupo jugadores de cartas, la partida transcurre en lo que parece un burdel, se enfrentan en el juego dos mujeres que aparecen desnudas y dos hombres que además de jugar beben sin moderación, sobre la mesa hay dos botellas vacías más la que trae la camarera. El jugador de la izquierda mira al espectador, como si quisiera obtener de él su complicidad, pues está haciendo trampas, de su bolsillo emerge el as de diamantes. Frente al tahúr cara arriba sobre la mesa de juego el as de picas. El personalísimo estilo de Botero se pone de manifiesto en esta obra con todo su esplendor, el color de la mesa es casi complementario del color de las carnaciones de los dos personajes femeninos, lo que hace que destaque con gran fuerza. Fernando Botero nace en Medellin, (Antioquía), Colombia el 19 de Abril de 1932.Su primera exposición la realizó en su cuidad natal en 1948. En 1952 se traslada a Madrid, donde estudia en la academia de bellas artes San Fernando, es un asiduo visitante del museo Del Prado, donde admira a Velazquez y Goya, de cuyas obras realizará numerosas copias. En 1958 es nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de la universidad Nacional de Colombia. La temática de Botero gira en torno a escenas constumbristas, sus obras son realizadas con pinceladas sueltas, colores oscuros y ocasionalmente fuertes contrastes. Su pintura es mundialmente reconocida, tanto por niños como por adultos, debido sobre todo a la particular forma de representar la anatomía humana, sus figuras aparecen como infladas dado a que exagera las formas y proporciones. Es actualmente un icono del arte mundial, es un artista polifacético habiendo obtenido el mismo exito como escultor o muralista. Sus obras colman hoy los más importantes museos del mundo, los premios y honores obtenidos por Botero han sido numerosos, en 2008 obtuvo el Doctorado Honoris Causa por la Universidad Autónoma de Nuevo León en la cuidad mexicana de Monterrrey. Es un artista comprometido con la sociedad, en sus obras aconstumbra a denunciar la situación política colombiana y mundial, como hizo por ejemplo con su serie de 78 oleos sobre los horrores de la guerra y la tortura en Abu Ghraib,durante la invasión de los Estados Unidos a Irak.
"Jugadores de cartas", Fernando Botero, 1989.
"El cinco de trébol", Fernand Leger, 1947 - Se trata de un óleo sobre lienzo pintado en 1947, sus medidas son 49,2 cm. de alto por 65 cm. de ancho. El día siete de Mayo de 2009, esta obra fué subastada por la galería Christie's de Nueva York, alcanzando un precio de 830.224 € Fernand léger nació el día 4 de febrero de 1881 en Argentan, Normandía, (Francia), en el seno de una familia campesina. Desde 1897 a 1899 es alumno de un arquitecto en caen. Se traslada a Paris en 1900, trabaja como dibujante de arquitectura, simultáneamente recibe clases en el instituto Julian. En 1904 ingresó en la Escuela Superior de Artes decorativas, ya que no consiguió plaza para la de Bellas Artes. Recibió clases de Léon Gérome y de Gabriel Ferrer. Al igual que otros pintores de su generación, bebió de las fuentes del impresionismo, sus primeras obras, que datan de 1905 así lo evidencian. Posteriormente se inclinaría hacia el cubismo y el constructuvismo, siendo considerado uno de los mejores representantes del cubismo y antecesor del Pop-art. En 1910 expone en la galería Kahweiler junto a Pablo Picaso y Braque, en 1912 haría su primera exposición individual. Usa las formas geométricas para representar un mundo mecanizado, (la iconografía de la máquina es un tema recurrente en la obra de Léger), la composición de sus cuadros se compone de zonas  pintadas con colores puros planos, bién delimitados. En sus cuadros la figura humana se mimetiza con el ambiente que la rodea, despersonalizándose y mostrándose en volúmenes mecánicos. Entre 1940 y 1945 vive en Estados Unidos, donde trabaja como profesor de la universidad de Yale. Ejerció una enorme influencia en el desarrollo y difusión del cubismo. En su última época produce otras obras artísticas como vidrieras, carteles comerciales, mosaicos cerámicos y todo tipo de arte aplicado. Fernand léger murió el día 17 de Agosto de 1955 en Gif sur Yvette, (Francia).
"El cinco de trébol", Fernand Leger, 1947
"La partida de cartas", Fernand Leger, 1917 - Esta obra fué pintada en 1917, se trata de un óleo sobre lienzo cuyas medidas son 129 cm. de alto por 193 cm. de ancho. Se encuentra en el Musée Köller-Müller de Otterlo, (Gelderland, Holanda). En esta obra, podemos ver las carácteristicas propias de la pintura de Léger en esa época, tratamiento de la figura humana mediante volúmenes con forma mecanizada. Fernand léger nació el día 4 de febrero de 1881 en Argentan, Normandía, (Francia), en el seno de una familia campesina. Desde 1897 a 1899 es alumno de un arquitecto en caen. Se traslada a Paris en 1900 , trabaja como dibujante de arquitectura, simultáneamente recibe clases en el instituto Julian. En 1904 ingresó en la Escuela Superior de Artes decorativas, ya que no consiguió plaza para la de Bellas Artes. Recibió clases de Léon Gérome y de Gabriel Ferrer. Al igual que otros pintores de su generación, bebió de las fuentes del impresionismo, sus primeras obras, que datan de 1.905 así lo evidencian. Posteriormente se inclinaría hacia el cubismo y el constructuvismo, siendo considerado uno de los mejores representantes del cubismo y precursosr del Pop-art. En 1910 expone en la galería Kahweiler junto a Pablo Picaso y Braque, en 1912 haría su primera exposición individual. Usa las formas geométricas para representar un mundo mecanizado, (la iconografía de la máquina es un tema recurrente en la obra de Léger), la composición de sus cuadros se compone de zonas  pintadas con colores puros planos, bién delimitados. En sus cuadros la figura humana se mimetiza con el ambiente que la rodea, despersonalizándose y mostrándose en volúmenes mecánicos. Entre 1940 y 1945 vive en Estados Unidos, donde trabaja como profesor de la universidad de Yale. Ejerció una enorme influencia en el desarrollo y difusión del cubismo. En su última época produce otras obras artísticas como vidrieras, carteles comerciales, mosaicos cerámicos y todo tipo de arte aplicado. Fernand léger murió el día 17 de Agosto de 1955 en Gif sur Yvette, (Francia).
"La partida de cartas", Fernand Leger, 1917
"Jugadores de mus", Félix Muñoz Zubillaga - En este dibujo observamos un porche en el que se desarrolla una partida de mus entre campesinos ataviados al estilo vasco con su característicos boina y pañuelo. El jugador situado al frente se lleva la mano a la cara en la acción de hacer las señas tan comunes en este juego de naipes. La partida es observada con mucha atención por una pareja. El dibujo parece estar hecho al lápiz o mina de plomo, a pesar de lo limitado del medio sabe captar con maestría el juego de luces y somras entre el exterior y el interior del porche.
"Jugadores de mus", Félix Muñoz Zubillaga
"Jugadores de cartas con lampara de petroleo", Gaston Bussière, 1880 - Se trata de un dibujo a la mina de plomo sobre papel pintado hacia 1880, cuyas medidas son de 10,2 cm. de alto por 15,7 cm. de ancho. Se encuentra en el museo des Ursulines de Mâcon en Francia. El dibujo, tal vez un apunte para una obra más importante, representa dos hombres, uno de ellos con gorra lleva entre sus manos una baraja de naipes. La luz procede de una lámpara de petróleo desde la izquierda. Los trazos son precisos y poco detallados, lo que dota al dibujo de una gran viveza. Gaston Bussière nació el día 24 de Abril del año 1862 en Cuisery, Francia. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Lyon. Posteriormente lo haría en la Escuela de Bellas Artes de Paris, en esta institución fué alumno de Pierre Puvis de Chavannes y de Alexandre Cabanel. Fué un pintor simbolista, asi como ilustrador de numerosas obras literarias entre las que se encuentran "Salomé" de Oscar Wilde, "Esmaltes y camafeos" de Théophile Gautier, "Esplendores y miserias de las cortesanas" de Honoré de Balzac, publicado en 1897, y las obras de Gustave Flaubert. Su estilo próximo al de Gustave Moreau presenta cierta influencia de los prerafaelitas, buscaba su inspiración en Berlioz, Shakespeare y Wagner. Sus obras se caracterizan por el empleo de colores muy brillantes, así como por las poses forzadas de sus modelos y un aire de irrealidad. Falleció el día 29 de octubre del año 1928 en Saulieu, Francia.
"Jugadores de cartas con lampara de petroleo", Gaston Bussière, 1880
"La caja de la fortuna", George de la Tour, 1633-39 - Este cuadro, fue pintado entre 1633 y 1639, se trata de un óleo sobre lienzo de 102 cm de alto por 123 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.En el cuadro se representa una escena típica de la época, un joven de buena posición, a juzgar por sus vestiduras, es desplumado por un grupo de charlatanas. Mientras la anciana lee su futuro, sus compinches le roban. El personaje central está cortando la cadena de oro del muchacho, mientras sus ojos están muy atentos a la más mínima reacción del mismo. El personaje situado a la izquierda introduce levemente sus dedos en la casaca del joven para sustraerle la bolsa del dinero, mientras éste sigue atento a las explicaciones de la anciana. George de la Tour nació el día 13 Marzo de 1593 en Vic-sur-Seille, Francia. El acta de bautizo conservada en esta localidad nos aclara que era hijo de Jean de La Tour alias el arquitecto, de profesión panadero y de Sibylle de Crospeaux asi misma descendiente de panaderos. Era el segundo de los siete hijos que tuvo el matrimonio. Su formación artística no es muy bien conocida, aunque se considera que pertenece a la escuela barroca y al grupo denominado Caravaggistas. Se piensa que estuvo en contacto con los maestros holandeses caravaggistas de Hutrecht, Hendrick Terbrugghen y Gerrit van Honthorst  a raiz de un viaje que realizó en 1616, se cree que su influencia caravaggista procede más bien del conocimiento de la obra de Hendrick Terbrugghen, pintor al que ha sido muy comparado. Su pintura está enmarcada dentro del estilo del Barroco Francés, es el Tenebrista más famoso de Francia. De Caravaggio toma  los contraste entre luz y sombra, (en los cuadros de La Tour , la luz procede de una vela, antorcha, u otra forma de luz artificial, la cual ilumina la escena con luz blanca o rojiza, mientras que en los cuadros de Caravaggio, la luz procede de un foco impreciso). Las escenas son tratadas de cerca, centrada en los personajes,al igual que Caravaggio, gusta retratar ambientes de bajos fondos. En su obra se destacan dos etapas, una primera conocida como diurna, que se prolonga hasta 1638. En esta étapa representa escenas de su Lorena natal, abundando la representación de soldados y pícaros jugando. Su segunda etapa, conocida como nocturna se inicia en 1643, coincidiendo con su retorno a Lunéville, pinta escenas con luz nocturna, las cuales se encuentran limitadas a los personajes, sin que aparezcan en el cuadro referencias arquitectónicas o paisajes, muy al estilo de Caravaggio. Su paleta es practicamente monocromática, ya que suele emplear como únicos colores blanco y morado para las escenas diurnas y rojo y  negro en las escenas nocturnas. Contrajo matrimonio el 2 de Julio de 1617, instalándose en Lunéville, donde comenzaría una prestigiosa carrera artística bajo el patrocino del duque Henri II de Lorena, gran admirador de Caravaggio.  A consecuencia de la Guerra de los treinta años, la villa es incendiada con lo que huye a Nancy con su familia para posteriormente dirigirse a Paris, donde se le documenta en 1639. En Paris se le otorga alojamiento en el Louvre al mismo tiempo que se le nombra pintor del rey. Pinta numerosos cuadros religiosos, pintura constumbrista asi como realista en la que los protagonistas de sus obras suelen ser mendigos y músicos. Rehecho su hogar en Lunéville regresa en 1641, en esta localidad moriría subitamente el día 30 de Enero de 1652 a raiz de una epidemia en la que también moriría su esposa.
"La caja de la fortuna", George de la Tour, 1633-39
"Jugadores de naipes", Gerard Ter Borch, 1650 - Se trata de un óleo sobre tabla de estilo Barroco pintado aproximadamente en 1650, cuyas medidas son 25,5 cm. de alto por 20 cm. de ancho. Se encuentra en la colección Reinhart de Winterthur, Suiza. La escena representa una partida de naipes entre dos jugadores, uno de ellos de espaldas al espectador es una muchacha que se vuelve hacia un observador en busca de consejo, señalándole éste que carta ha de jugar. Los personajes son de un nivel social medio alto. La paleta cromática es muy limitada consiguiendo con ella un cuadro de corte parecido a los de Caravaggio, ausencia de referencias arquitectónocas, fondos planos y personajes en un plamo medio, además el clarooscuro recuerda a los maestros del tenebrismo. La luz que procede de un punto a la izquierda del cuadro situado por encima de los personajes ilumina con una línea diagonal de izquierda a derecha y de arriba abajo aquello que el artista quiere destacar, es decir la jugada de la chica y la baraja situada sobre la mesa. Gerard Ter Borch nació en Diciembre del año 1617 en Zwolle, Holanda. Desarrolló su talento para la pintura desde muy joven, ya que recibió una excelente educación por parte de su padre que también era pintor. En 1632 podemos documentar su presencia en Amsterdam, gracias a la inscripción que figura en un estudio sobre una cabeza. En Amsterdam estudió con P. Codde o C. Duyster. Es un magnífico retratista y pintor de género que reprodujo con fidelidad la forma de vida de las clases más pudientes de su tiempo. sus figuras están exentas de rigidez, resultando muy expresivas. Su paleta cromática es amplia y clara, tuvo epecial habilidad para reproducir las texturas de las telas, especialmente el satén. Murió en Deventer, Holanda, el día 8 de Diciembre del año 1681 .
"Jugadores de naipes", Gerard Ter Borch, 1650
"Interior con personajes elegantes jugando a las cartas", Gerhard van Steenwijck - Se trata de un óleo sobre tabla cuyas medidas son 47,2 cm. de alto por 61 cm. de ancho pintado en el siglo XVII, se encuentra en paradero desconocido desde que fué subastado el 14 de Marzo de 2001 por la firma Sotheby en Amsterdam, pertenecía a la colección de su Alteza Real la princesa Juliana de Holanda. La escena representa una partida de naipes entre un hombre y una mujer, observados por tres personajes más. La partida transcurre en un ambiente de la alta sociedad, dato éste puesto en evidencia por las ricas vestiduras de los personajes. La estancia está desprovistas de adornos y muebles, salvo los dos cuadros que adornan la pared del fondo, un paisaje y una marina. La jugadora de espaldas al espectador parece llevar peor jugada, ya que su postura es más defensiva, mientras que la del jugador frente al espectador tiene una actitud más agresiva como corresponde a quién lleva mejor naipes. El pintor hace buen uso de la débil luz natural que entra a la estancia tamizada por los ventanales, creando una escena en semipenumbra magistralmente interpretada. De la vida y obra de Gerhard van Steenwijck existe muy poca información, estuvo activo desde 1640 hasta 1660, posiblemente en Delft, Holanda. Fué un pintor de género y de bodegones de la llamada edad de oro flamenca. Su existencia queda acreditada por dos obras firmadas con su nombre descubiertas en el año 2010, una naturaleza muerta que se encuentra en la colección privada Rusche Sammlung en Oelde, Alemania, y una escena de género que se encuentra en el Museo del Palatino en Heidelberg. Su obra está en la actualidad sin adjudicar ni clasificar, se le considera un maestro capaz, experimentado y con estándares de calidad muy altos. Debido a la coincidencia de motivos paisajísticos entre sus cuadros y los del pintor de Delft Anthonie Palamedesz se cree que estuvo trabajando en la mencionada cuidad, en la que posiblemente tuviera relación con los hermanos pintores Harmen y Pieter Steenwyjck.
"Interior con personajes elegantes jugando a las cartas", Gerhard van Steenwijck
"El hijo pródigo", Giovanni Battista Boncori - Cuadro llamado "Los jugadores de cartas" o también "La parábola del hijo pródigo" pintado hacia 1670, óleo sobre lienzo de 194 x 146 cm. Giovanni Battista Boncori (1633-1699),
"El hijo pródigo", Giovanni Battista Boncori
"Pelea en la partida", Stephen Goodfellow, 1984 - Se trata de una pintura hecha con acrílico creada en 1984 con la técnica característica del artista británico Stephen Goodfellow, es decir el micropuntillismo. La escena está basada en el cuadro del siglo XVII de Jan Havicksz Steen aunque en este caso, Goodfelow sitúa la acción en un ambiente moderno en el que ha sustituído el juego de naipes y el tablero de Backgammon de la pintura original por un tablero de Monopoly. Aunque media siglos entre una y otra escena, los motivos de la discusión, y las pasiones humanas representadas permanecen inalterables. Stephen Goodfellow nació en 1953 en Inglaterra, aunque finalmente se estableció de Detroit, Michigan, su técnica conocida como micropuntillismo consiste en utlizar minúsculos puntos de colores primarios, que se funden en la retina del espectador creando la sensación de colores muy vibrantes y vivos. Para saber más sobre este artista visita la Web de Stephen Goodfellow.
"Pelea en la partida", Stephen Goodfellow, 1984
"La familia del Infante Don Luis", Francisco de Goya, 1784 - Este cuadro pintado en 1784 representa al Infante Don Luis, hermano menor de Carlos III, con su familia en su corte de Boadilla del Monte. La composición del cuadro está organizada a través de dos diagonales que se cruzan en el centro, lugar que ocupa la esposa del infante. La escena se desarrolla alrededor de una mesa iluminada por una vela, lo que permite al artista representar una gran vaiedad de luces y sombras, consiguiendo individualizar magistralmente a cada uno de los personaje. Sobre la mesa hay una baraja española cara arriba con la que parece está absorto el Infante en un solitario, diversión ésta comun entre la gente de la nobleza. El cuadro se divide en dos grandes bloques: A la izquierda del cuadro el infante, con los característicos rasgos de la familia Borbón, tiene detrás sus dos hijos, (Luis María y María Teresa de Borbón y Vallabriga), su esposa María Teresa de Vallabriga que está siendo peinada por su peluquero y unas damas de la pequeña corte. Así mismo aparece el artista en actitud de pintar a la familia, no es la primera vez que Goya usaría de esta libertad dejando de manifiesto su proximidad con la misma y el gran afecto que ésta le profesaba. A la derecha del cuadro aparecen una serie de personajes identificados como amigos y miembros de la corte de D. Luis y una ama de cría con una niña en brazos. Esta parte del cuadro ha dado lugar a una leyenda apoyada en el parecido del personaje más a la derecha con el retrato de Manfredi existente en el Gabinetto Nazionale delle Stampe de Roma. Manfredi fue un violinista italiano que formó parte de la orquesta de cámara de D. Luis, abandonó la orquesta con gran disgusto de éste último.  Los personajes más a la izquierda llevan la librea roja propia del sevicio y podrían ser Francisco Font, Boccherini y Font hijo (viola), músicos todos ellos de la orquesta, Manfredi viste sus propias ropas y parece estar huyendo del resto de personajes. Además como dato curioso, los  naipes sobre la mesa están dispuestos representando la traición según la simbología del tarot. El cuadro vendría pués a representar la traición de Manfredi respecto a la orquesta. Francisco de Goya y Lucientes nació el 30 de Marzo del año 1746 en Fuendetodos Zaragoza, desde joven estuvo muy inclinado hacia las artes, ya que su padre, de origen vasco era dorador, al igual que su hermano Tomás. A la edad de trece años pasa a ser discípulo de José Luzán Martinez, quién impartía clases en la Academia de dibujo fundada en Zaragoza en 1754. A partir de Enero de 1775, se establece en Madrid. Es llamado a la corte por Antón Raphael Mengs, primer pintor del rey Carlos III, para que pinte cartones para los tapices de la Real Fábrica de Santa Barbara. Se le asiga un sueldo anual de 8.000 reales. En Julio de 1780 es admitido como académico de mérito en la Real Academia de San Fernando de Madrid, paro lo cual presenta el lienzo "Cristo crucificado" como prueba de su arte. En 1793, a consecuencia de una enfermedad, ("el cólico de Madrid" con toda probabilidad), queda sordo, lo que le lleva a aislarse. A partir de este momento, su pintura toma un nuevo rumbo haciéndose más expresiva. Murió en Burdeos, (Francia), el 16 de Abril del año 1828.
"La familia del Infante Don Luis", Francisco de Goya, 1784
"Pelea en la Venta Nueva", Francisco de Goya y Lucientes, 1777 - Se trata de un óleo sobre lienzo cuyas medidas son 275 cm. de alto por 414 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, al que llegó en 1870 procedente del Palacio Real. Fué pintado por Francisco de Goya y Lucientes en 1777, se trata de un cartón para tapiz, destinado a decorar el Palacio del Pardo. La escena se situa en una zona de las cercanías de Madrid denominada en la actualidad "ventas", y que en aquella época se denominaba "ventas del Espiritu Santo", a las puertas de una venta llamada por Goya " venta nueva". En estas ventas era normal que parasen arrieros, jugadores y buscadores de fortuna. El origen de la pelea parece estar en los naipes, que aparecen tirados sobre la mesa pintada en la esquina inferior derecha. existe otro cuadro de Francisco de Goya con el mismo tema, (con escasas variaciones), en este caso la acción se desarrolla en el "Mesón del Gallo". Como puede apreciarse en este recorte efectuado a la esquina inferior derecha del cuadro, "Riña en venta nueva" de Francisco de Goya, aparece una mesa de juego, sobre la que hay un mazo de cartas con el cinco de bastos cara arriba, en el suelo pueden apreciarse el as de oros y una carta de figura. La pelea parece estar motivada por la partida de cartas. Junto a la mesa un personaje recoje las monedas de la partida, tal vez no sea más que un oportunista que ni siquiera estaba jugando, ya que la mirada se dirige de soslayo, con cierto temor, hacia la pelea.             Francisco de Goya y Lucientes nació el 30 de Marzo de 1746 en Fuendetodos Zaragoza, desde joven estuvo muy inclinado hacia las artes, ya que su padre, de origen vasco era dorador, al igual que su hermano Tomás . A la edad de trece años pasa a ser discípulo de José Luzán Martinez, quién impartía clases en la Academia de dibujo fundada en Zaragoza en 1754. A partir de Enero de 1775, se establece en Madrid. Es llamado a la corte por Antón Raphael Mengs, primer pintor del rey Carlos III, para que pinte cartones para los tapices de  la Real Fábrica  de Santa Barbara. Se le asiga un sueldo anual de 8.000 reales. En Julio de 1780 es admitido como académico de mérito en la Real Academia de San Fernando de Madrid, paro lo cual presenta el lienzo "Cristo crucificado" como prueba de su arte. En 1793, a consecuencia de una enfermedad, ("el cólico de Madrid" con toda probabilidad), queda sordo, lo que le lleva a aislarse. A partir de este momento, su pintura toma un nuevo rumbo haciéndose más expresiva. Muere en Burdeos, (Francia), el 16 de Abril de 1828. El autoretrato es uno de los primeros que se conocen del artista, data de aproximadamente 1775. Se inspiró en un autoretrato de Mengs de 1773. Se trata de un retrato muy realista perfectamente realizado. Su actitud está entre el desenfado y la pretenciosidad. La luz sabiamente manejada realza la expresividad de labios y ojos, al tiempo que realza sus facciones.
"Pelea en la Venta Nueva", Francisco de Goya y Lucientes, 1777
"Pelea en el Mesón del Gallo", Francisco de Goya y Lucientes, 1777 - Se trata de un óleo sobre lienzo. La escena se situa en una zona de las cercanías de Madrid denominada en la actualidad "ventas", y que en aquella época se denominaba "ventas del Espiritu Santo", a las puertas de una venta llamada por Goya "Mesón del Gallo". En estas ventas era normal que parasen arrieros, jugadores y buscadores de fortuna. El origen de la pelea parece estar en los naipes, que aparecen tirados sobre la mesa pintada en la esquina inferior derecha. Francisco de Goya y Lucientes nació el 30 de Marzo de 1746 en Fuendetodos Zaragoza, desde joven estuvo muy inclinado hacia las artes, ya que su padre, de origen vasco era dorador, al igual que su hermano Tomás. A la edad de trece años pasa a ser discípulo de José Luzán Martinez, quién impartía clases en la Academia de dibujo fundada en Zaragoza en 1754. A partir de Enero de 1775, se establece en Madrid. Es llamado a la corte por Antón Raphael Mengs, primer pintor del rey Carlos III, para que pinte cartones para los tapices de la Real Fábrica de Santa Barbara. Se le asiga un sueldo anual de 8.000 reales. En Julio de 1780 es admitido como académico de mérito en la Real Academia de San Fernando de Madrid, paro lo cual presenta el lienzo "Cristo crucificado" como prueba de su arte. En 1793, a consecuencia de una enfermedad, (con toda probabilidad "el cólico de Madrid"), queda sordo, lo que le lleva a aislarse. A partir de este momento, su pintura toma un nuevo rumbo haciéndose más expresiva. Muere en Burdeos, (Francia), el 16 de Abril de 1828. El autoretrato es uno de los primeros que se conocen del artista, data de aproximadamente 1775. Se inspiró en un autoretrato de Mengs de 1773. Se trata de un retrato muy realista perfectamente realizado. Su actitud está entre el desenfado y la pretenciosidad. La luz sabiamente manejada realza la expresividad de labios y ojos, al tiempo que realza sus facciones.
"Pelea en el Mesón del Gallo", Francisco de Goya y Lucientes, 1777
"Jugadores de naipes", Francisco de Goya, 1777-78 - Se trata de un óleo sobre lienzo cuyas medidas son 270 cm. de alto por 167 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, al que llegó desde el Patrimonio Real en 1870. Fué pintado entre 1777 y 1778. La escena representa un tema recurrente en la pictografía europea, el de un grupo de jugadores, entre los cuales existe un compinche que hace señas a un compañero con el objeto de beneficiarse. En este cuadro está situado a la derecha, los jugadores se encuentran bajo un toldo colocado en un árbol, esto lleva a goya a emplear una nueva técnica rebosante de luces y sombras que confieren a la escena un gran realismo. El tapiz resultante estaba destinado a decorar el comedor de los futuros príncipes de Asturias, (El futuro rey Carlos IV y su esposa María de Parma), en el Palacio de el Pardo. Hoy día todavía se conserva en su emplazamiento original. Francisco de Goya y Lucientes nació el 30 de Marzo de 1746 en Fuendetodos Zaragoza, desde joven estuvo muy inclinado hacia las artes, ya que su padre, de origen vasco era dorador, al igual que su hermano Tomás . A la edad de trece años pasa a ser discípulo de José Luzán Martinez, quién impartía clases en la Academia de dibujo fundada en Zaragoza en 1754. A partir de Enero de 1775, se establece en Madrid. Es llamado a la corte por Antón Raphael Mengs, primer pintor del rey Carlos III, para que pinte cartones para los tapices de la Real Fábrica de Santa Barbara. Se le asiga un sueldo anual de 8.000 reales. En Julio de 1780 es admitido como académico de mérito en la Real Academia de San Fernando de Madrid, paro lo cual presenta el lienzo "Cristo crucificado" como prueba de su arte. En 1793, a consecuencia de una enfermedad, ("el cólico de Madrid" con toda probabilidad), queda sordo, lo que le lleva a aislarse. A partir de este momento, su pintura toma un nuevo rumbo haciéndose más expresiva. Murió en Burdeos, (Francia), el 16 de Abril de 1828. El autoretrato es uno de los primeros que se conocen del artista, data de aproximadamente 1775. Se inspiró en un autoretrato de Mengs de 1773. Se trata de un retrato muy realista perfectamente realizado. Su actitud está entre el desenfado y la pretenciosidad. La luz sabiamente manejada realza la expresividad de labios y ojos, al tiempo que realza sus facciones.  
"Jugadores de naipes", Francisco de Goya, 1777-78
"Pareja jugando a las cartas", Israhel von Meckenem, 1595-1603 - Se trata de un grabado del siglo XV, cuya ejecución se data entre 1595 y 1603, mide 11 cm. de alto por 16 cm. de ancho. Se conserva en el British Museum de Londres, Inglaterra. Forma parte de un conjunto de doce grabados representando escenas de la vida diaria del siglo XV, está firmado en la parte central inferior con las letras I V M, por lo que algunos autores lo suponen del grabador alemán Israhel Von Meckenem. En este grabado puede observarse el que tal vez fuera el primer uso dado a los naipes, la lectura del tarot. La escena nos presenta dos personajes, el de la izquierda, una mujer, parece estar leyendo el tarot al personaje de la derecha, mientras muestra la cara de una carta al espectador como si quisiera hacerle partícipe de la acción y de lo que el futuro le depará. Puede verse en el mazo de cartas, y en los naipes cara abajo frente a la adivina, como en esa época los naipes tenían el dorso blanco, sin el diseño característico que posteriormente tendrán. El tema de la "hechadora de cartas", es recurrente en la pintura a lo largo de la historia.
"Pareja jugando a las cartas", Israhel von Meckenem, 1595-1603
"Granaderos Reales", Anónimo 1752 - Se trata de una acuarela y guache sobre papel cuyas medidas son 50,5 cm. de alto por 36 cm.  de ancho. Su título original es "Grenadier royaux", (granaderos reales) es de 1757.  Se trata de la plancha nº 108, pagina 211 del manuscrito "Troupes du Roi, infanterie française et étrangère" año 1757 tomo I. Se conserva en el Museo de la armada de Paris. Mientras que un grupo de soldados juegan a las cartas sobre una mesa, al tiempo que beben, dos de sus compañeros juegan bajo una tienda a los dados. El jugador de la izquierda señala el dado mientras alza su mano derecha, ambos soldados se miran a los ojos, tal vez se encuentren aclarando o debatiendo la jugada. Los soldados representados en este dibujo, Granaderos Reales, nunca fueron envíados  a las colonias francesas. Ccomo la mayoría de soldados en aquella época sentían una pasión desenfrenada por el juego de azar al igual que sus compañeros de ultramar.
"Granaderos Reales", Anónimo 1752
"El juego de la bezique", Gustave Caillebotte, 1880 - Se trata de un  oleo sobre lienzo, fué pintado en 1880, mide 121 cm. de alto por 161 cm. de ancho. Rrepresenta un grupo de jugadores de Bèzique, juego muy popular en Francia durante el siglo XIX. Gustave Caillebotte nació en Paris en el seno de una familia de la clase alta. Cursó estudios de derecho e ingienería, ejerció la jurisprudencia. Dada su holgada posición económica se convirtió en mecenas de otros artistas de su época. Su estilo se engloba dentro del "realismo pictórico", aunque fué muy influido por los impresionistas, ya que fué amigo personal de Edgard Degas y Renoir. No obstante, en su obra se aprecia una constante variación en su estilo, tal vez debido a la estrecha relación que tenía con otros pintores. En sus cuadros de interiores, pinta con gran realismo los personajes, usando una paleta muy colorida que parece acercarle al estilo de Degas. Solía representar la realidad tal y como la visualizaba, huyendo de los adornos tópicos en los que a veces cae la pintura. Esto le valió más de una crítica, como las que tuvo que sufrir en la segunda exposición impresionista, en la que expuso el cuadro "los cepilladores de parquet", rechazado por el jurado del Salón de Paris en 1875, por considerar que el tema tratado era vulgar, (proletariado urbano), ya que la Academia en esa época considera anormal la aparición de campesinos u obreros como personajes de los temas abordados, por realzar los tópicos de la clase obrera. Gustave Caillebotte murió en Gennevillier, Francia, el día 21 de Febrero del año 1894. Fué enterrado en el cementerio de Père Lachaise de Paris.          
"El juego de la bezique", Gustave Caillebotte, 1880
"La partida de Mus", Gustavo de Maeztu.
"La partida de Mus", Gustavo de Maeztu.
"Interior con campesinos jugando a las cartas", Hendrick Martensz Sorgh - Se trata de un óleo sobre tabla cuyas medidas son 53 cm. de alto por 68 cm.  de ancho. Pertenece a una colección privada. La escena representa un grupo de campesinos jugando una partida de naipes. La partida parece estar desarrollándose entre dos jugadores, un hombre y una mujer. El hombre de espaldas al espectador está absorto en sus naipes, mienras que su oponente, la mujer está mostrando su jugada al observador que hay trás ella, por su actitud se diría que tiene la mano ganada. El artista usa como en muchos de este tipo de pintura de género una escasa paleta cromática, excepción hecha de algunos detalles que dan viveza a la escana, como puede ser el blusón azul del jugador, lo demás está practicamente resuelto con tonos terrosos u ocres. La luz entra por la derecha a través de una ventanasituada por encima de los personajes, esto perimte al artista centrar toda la luz sobre el rostro de la mujer que se encuentra jugando, lo que hace que la atención del espectador se dirija con fuerza hacia ese punto. Esto se ve reforzado por un equilibrio de masas situado hacia la izquierda del cuadro, por lo que la partida de carta queda ampliamente destacada a pesar del gran espacio que queda a la derecha del cuadro. Hendrick Martensz Sorgh nació en Rotterdamm, Holanda en 1610. Se formó artisticámente con David Teniers el joven y Willem Pieterszoon Buytewech. Fué nombrado presidente del gremio de pintores de Rotterdam, (Guilda de San Lucas), en 1659, entre sus alumnos se encuentran pintores tan importantes como Cornelis Dorsman, Abraham Diepraam, Jacobus Blauvoet, Pieter Crijnse Volmarijn, y Pieter Nijs. fué un pintor fundamentalmente de escenas de género, en las que gustaba de pintar sobre todo campesinos, son famosos sus cuadros constumbristas en el interior de una cocina o sus naturalezas muertas y sus escenas de mercados. Murio en Rotterdam el día 28 de Junio de 1670.
"Interior con campesinos jugando a las cartas", Hendrick Martensz Sorgh
"Los jugadores", Hendrick Jansz Terbrugghen, 1623 - Se trata de un óleo sobre lienzo pintado en 1623 cuyo estilo es el Barroco centroeuropeo. Mide 85,4 cm. de alto por 114,9 cm. de ancho. Se encuentra en el Minneapolis Institute of Arts, de Minneapolis, Estados Unidos. Esta obra, influída por Caravaggio, representa las figuras de medio cuerpo sin un fondo que dote de profundidad al cuadro, lo que centra la atención del espectador sobre los personajes. Al igual que Caravaggio, Terbrugghen gusta de pintar pícaros en sus escenas constumbristas, su paleta cromática es más amplia y la luz, al menos en esta obra no sigue los patrones impuestos por el maestro del Barroco Italiano. Dos soldados, uno jovencísimo y otro de mayor edad juegan. Sobre la mesa pueden verse los dados con los que se están jugando el dinero, el tercer personaje parece más bién un compinche del tahúr, por la posición de su mano, acaba de cambiar los dados por otros trucados aprovechándose de las dificultades visuales del viejo soldado, y controlada además su atención por el tahúr que le mira directamente a los ojos mientras le habla. En este cuadro la trampa no es tan evidente como en los cuadros de Caravaggio o George de la Tour, aunque el lenguaje corporal de los tahures y las expresiones faciales sugieren que se está haciendo trampas, ésta se hace de forma velada, no habiendo evidencias de la misma. No obstante como se apreciara en el detalle, Caravaggio nos deja la pista, si son observados de cerca los dados vemos que el primero de ellos está trucado, pues las caras opuestas de cualquier dado normal han de sumar siete, sin embargo en la pintura los puntos tres y cuatro se encuentran en caras adyacentes cuando debieran estar en caras opuestas. Hay además sobre la mesa de juego una baraja que no está siendo usada, observar el hecho de que en el siglo XVII los símbolos de los naipes eran más anchos y separados, además no presentaban índices en sus esquinas, ya que los mismos no fueron inventados hasta el siglo XIX. Los primeros naipes con índices fueron fabricados por la "Consolidated Card Company" de Nueva York, recibieron el nombre de "Squeezers". Hendrick Terbrugghen nació en el año 1588 en el seno de una familia católica en Deventer, Holanda. Realizó sus estudios con el pintor Bloemaert, con el que empezó a pintar a la edad de trece años. Se intereso por los trabajos de Lucas van Leyden y Alberto Durero. Siguiendo la constumbre de su época fue a vivir a Italia durante los años 1604-1614, donde frecuentó los circulos afines a Caravaggio de quienes aprendió la técnica del claroscuro, haciendo un uso dramático de la luz y la sombra. Nótese en este cuadro, en cuanto a tratamiento del tema se refiere, la semejanza con los cuadros de Caravaggio, ausencia de referencias arquitectónicas y proximidad a los modelos. A su regreso a Holanda, a principios de 1620 se estableció en Utrecht, dedicándose principalmente a pintar temas religiosos, aunque también realizó escenas costumbristas en las que las figuras, preferentemente de medio cuerpo, son colocadas sobre un fondo oscuro, anticipándose así a la Escuela de Delft. Fue uno de los mejores pintores del Barroco Holandés, y está considerado un miembro destacado de los llamados caravagistas holandeses. Terbrugghen murió en Utrecht el día 1 de Noviembre del año 1629.
"Los jugadores", Hendrick Jansz Terbrugghen, 1623
"Monos jugadores de naipes", Henry Schouten - Se trata de un óleo sobre lienzo cuyas medidas son 54 cm. de alto por 65 cm. de ancho. La escena representa una partida de naipes entre dos monos, observados éstos por un tercero. Aunque los animales son el eje central de la temática de Schouten, los representados en actitudes humanas como las del cuadro que nos ocupa representan una minoría. El cuadro tiene mucha similitud con cuadros anteriores como los pintados por David Teniers, tanto la paleta cromática como la vestimenta de los monos, así lo sugiere. El jugador de la derecha sostiene en alto una figura de diamantes, mientras que el jugador situado a la izquierda, señala con el dedo la carta carra arriba sobre la mesa, como indicando el palo a jugar. La luz, que cae sobre la cara de los jugadores desde una lámpara de petróleo, permite al artista centrar la atención del espectador sobre las expresiones, prácticamente humanas, de las mismas. Henry Schouten nació en Indonesia el año 1857. Fue un pintor belga conocido por sus paisajes y por sus temas sobre animales. Se formó en la Academia de Bruselas durante los años 1876 al 1881. Su obra está claramente influída por la del pintor de animales Alfred Verwee. Fue ante todo un pintor realista de animales, vacas, ovejas, caballos, gallinas y los animales en la granja, pintó además campesinos y pastores en su entorno natural. Utilizó también el seudónimo de Joseph Klaas en algunas de sus obras. Murio en Bruselas en 1927.  
"Monos jugadores de naipes", Henry Schouten
"Juego con dinero", Hervé di rosa, 1996 - Se trata de un collage sobre papel pintado en 1996. Hervé Di Rosa es un artista contemporáneo nacido en el año 1959 en Sète, Francia. Artista polifacético ha trabajado con numerosas técnicas y medios, tales como grabados, escultura, tapicería, o dibujos animados, ("Les Renés", 26 episodios de 26 minutos cada uno de ellos emitidos por Canal Plus en el año 2000). Al principio de los ochenta, fue uno de los fundadores del movimiento de la “figuration libre”, que reivindica la influencia de la cultura popular (punk, cinema,comic, TV) en el arte contemporáneo. Su producción artística nos ha legado todo un conglomerado de personajes únicos. en el año 2000 créo en su cuidad natal el museo Contemporáneo de Arte Modesto.                  
"Juego con dinero", Hervé di rosa, 1996
"El jardin de las delicias", Hieronymus Bosch - "El jardin de las delicias", pintado por El Bosco. Se estudia en su caso una porción del tríptico que es en realidad la obra completa,, concretamente la esquina inferior izquierda del último de los paneles que conforman el tríptico. En él puede observarse en un gran caos, como un grupo de jugadores, (esquina inferior izquierda), son atormentados por demonios. Están presentes los instrumentos propios del juego, un tablero de backgammon, naipes y dados. Se observa también una mujer desnuda portando una jarra, y a la derecha un hombre abrazado a un cerdo con velo de monja, todo ellos simboliza la pereza, la gula y la lujuria. En palabras del monje del Escorial José de Sigüenza (1605, primer crítico y analista de la obra del Bosco), "La diferencia entre las pinturas del Bosco y las de otros es que los demás procuraron pintar al hombre cual parece por fuera; éste sólo se atrevió a pintarle cual es por dentro".         Hieronymus Bosch, nació en el pueblo O 's-Hertogenbosch, Bolduque, (Paises Bajos ), el dos de Octubre del año 1450. El tema de sus pinturas se refiere por lo general a los pecados cometidos por la humanidad. No firmó todas sus obras, en algunas de ellas lo hizo como Bosch, aunque en España es conocido como "El Bosco". Su apellido familiar era Van Aken, la profesión familiar era la de pintores, perteneciendo por tanto al gremio en cuestión segun los antiguos estamentos medievales. Esto es crucial para comprender porque se hizo famoso como Bosch, (nombre abreviado de su cuidad natal), ya que a la muerte de su padre, sólo su hermano mayor Goossen Van Aken tenía derecho a usar gremialmente este nombre. Gracias a que el Rey Felipe II compró muchas de sus pinturas , hoy el Museo del Prado cuenta entre sus archivos varias de las mejores obras de este genial artista. Murió en su cuidad natal el 9 Agosto del año 1516.
"El jardin de las delicias", Hieronymus Bosch
"El prestidigitador", Hieronymus Bosch, 1503 - Esta cuadro fue pintado hacia 1503, se trata de un oleo sobre tabla cuyas medidas son 53 cm. de alto por 65 cm. de ancho. Pertenece al Museo Municipal de Saint Germain en Laye, (Francia). La escena representa el engaño llevado a cabo por un prestidigitador y su complice, mientras el atónito espectador con aire bobalicón, hecha de su boca un sapo, el complice le corta la bolsa del dinero. El sapo aparece en numerosas obras del Bosco como símbolo del mal, (en la iconografía cristiana representa varios de los pecados capitales, posteriormente se asoció a la brujería). El mago porta en su mano un cesto con una lechuza en su interior, lo que en esta obra simboliza la herejía. La escena es contemplada por varios espectadores con aire irónico. Con este cuadro el Bosco pone en evidencia la moralidad de las personas y el hecho de que debemos estar atentos a cúanto nos rodea. Hieronymus Bosch, nació en el pueblo O's-Hertogenbosch, Bolduque, (Paises Bajos ), el dos de Octubre del año 1450. El tema de sus pinturas se refiere por lo general a los pecados cometidos por la humanidad. No firmó todas sus obras, en algunas de ellas lo hizo como Bosch, aunque en España es conocido como "El Bosco". Su apellido familiar era Van Aken, la profesión familiar era la de pintores, perteneciendo por tanto al gremio en cuestión segun los antiguos estamentos medievales. Esto es crucial para comprender porque se hizo famoso como Bosch, (nombre abreviado de su cuidad natal), ya que a la muerte de su padre, sólo su hermano mayor Goossen Van Aken tenía derecho a usar gremialmente este nombre. Gracias a que el Rey Felipe II compró muchas de sus pinturas, hoy el museo Del Prado cuenta entre sus archivos varias de las mejores obras de este genial artista. Su obra influyó en pintores como Pieter Brueghel el viejo. Murió en su cuidad natal el 9 Agosto del año 1516.              
"El prestidigitador", Hieronymus Bosch, 1503
"Bretones jugando a los naipes", Hippolyte Bellangé, 1837 - Se trata de un óleo sobre lienzo pintado en el año 1837. Se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Bordeaux, Francia. En este cuadro, uno de los pocos de temática constumbrista que pintó Bellangé, vemos a dos rudos personajes, (bretones), enfrascados en una partida de naipes. Ambos jugadores están ensimismados en sus cartas ajenos al bullicio del gentío representado a la derecha del cuadro. La escena transcurre tal vez a las puertas de una taberna a juzgar por la jarra que hay sobre la mesa y la que trae la niña. Joseph Louis Hippolyte Bellangé nació el día 17 de Enero de 1800 en Paris, Francia. Era hijo de un ebanista, (en esa época, la ebanistería era considerada un arte). Realizó estudios elementales en el Lycée Impérial Bonaparte. A la edad de dieciseis años, en contra de los deseos paternos ingresa como alumno en el taller de Antoine Jean Gros en el que tendría como condiscípulos a pintores tan importantes como Delacroix  o Roqueplan. Aunque Bellangé fué además un exelente dibujante, (con una extrema habilidad con el lápiz de grafito), y litógrafo, se inclinó principalmente por la pintura militar de grandes dimensiones, produciendo cuadros sobre las guerras de Napoleón que tuvieron gran exito en su tiempo. Aunque pintó algunos retratos y escenas de género, su obra pictórica está compuesta fundamentalmente de escenas militares, en las que destaca por su dominio de la composición y su arte para colocar grandes masas de personajes en acción, así como por su sensibilidad a la hora de captar las preocupaciones, los sentimientos, el estado de ánimo íntimo de los personajes. Junto con Charlet y Raffet sería uno de los grandes pintores dedicados al género militar. Expuso en todas la exposiciones de Paris salvo las de los años 1844 y 1848, su obra pictórica es inmensa, atribuiéndosele 250 óleos, 1.200 dibujos y 800 litografías. Obtuvo numerosos reconocimientos, consagrándose en la exposición de 1834 en la que obtuvo el primer premio con su cuadro "Regreso de la isla de Elba", por la que se le nombraría Caballero de la Legión de Honor, siendo promovido a Oficial de la misma orden en 1861 por su obra "Los dos amigos". Joseph Louis Hippolyte Bellangé murió en Paris el día 10 de Abril de 1866, la víspera de su muerte acabaría de pintar su último cuadro "La muerte de la guardia" que obtuvo un considerable éxito. Bibliografía: Hippolyte Bellagé et son oeuvre, de Jules Adeline.              
"Bretones jugando a los naipes", Hippolyte Bellangé, 1837
"Socordia", Heinrich Aldegrever, 1549 - Socordia que en latín quiere decir pereza, es la impresión de un grabado hecho por  Heinrich Aldegrever en 1549.  Vemos la personificación de los vicios y virtudes a través de sus respectivos atributos. En este caso la pereza, personificada como una mujer que sostiene en sus manos un tablero de Trictrac, (juego muy popular en esa época del que derivó el Backgammon), y una baraja de naipes. Este tipo de grabados moralizantes eran muy común en los libros de aquella época, ya que la sociedad estaba fuertemente influenciada por la Iglesia Católica y su moral. Estos grabados de gran precisión eran muy demandados por la aristocracia para ser expuestos en los conocidos como agabinetes de curiosidades o "kunstkammer". Heinrich Aldegrever nació en Paderborn, su apellido verdadero era Trippenmecker que en el dialecto locar significa relojero, debido tal vez a que esta fuera la profesión de algún antecesor. De su formación no se sabe practicamente nada se da por supuesto que aprendió en algún taller de joyería de Soest, (Westfalia), donde se instaló en 1525. En 1526, sólo un año más tarde de llegar a esta cuidad pintaba la predela y alas de un altar de la iglesia de san Pedro, trabajo que firmó con el apellido paterno añadiendo como símbolo un reloj. La gran calidad de este trabajo hace pensar que su formación es más larga de lo que se supone. Sus primero grabados son de 1527, firmándolos con las iniciales A G superpuestas en un monograma imitando el de Alberto Durero. La mayoría de sus grabados son de diseño propio, por lo general son de pequeño formato y de una ejecución muy meticulosa. La temática más habitúal de su obra son los relatos mitológicos y figuras alegóricas. Sus últimos grabados son de 1555, ignorándose la fecha exacta de su fallecimiento.
"Socordia", Heinrich Aldegrever, 1549
"Juego de bacarat", Vilmos Huszár, 1828-29 - Se trata de un óleo soobre lienzo pintado entre 1828 y 1829, sus medidas son de 67.6 cm. de alto por 82.2 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. La escena representa una partida de bacarat, los jugadores están resueltos con formas geométricas de iguales características y cromatismo. Los jugadores se encuentran tanto de pie como sentados alrededor de una mesa exagonal. Tanto el punto como la banca tienen la misma puntuación, concretamente un seis, el jugador de la derecha del cuadro se encuentra en actitud de sacar un naipe del sabot. Vilmos Huszár nació en Budapest, Hungría en el año 1884. Artisticamente se formó en la Academia de Artes Decorativas de Budapest hasta el año 1904 en que continuó sus estudios en Munich, Alemania. En un principio su obra se basó en el estilo neoplasticista, aunque más tarde recibiría las influencias del futurismo y del cubismo. En 1905 se trasladó a La Haya, en los países bajos, lugar en el que residiría el resto de su vida. En lesta época se vió muy influenciado por las obras de Vincent van gogh, dedicándose a retratar la alta sociedad de la cuidad. Conoció a Theo van Doesburg y Piet Mondrian, juntos a los que impulsó el nacimiento del movimiento "De Stijl", diseñó la portada del año 1917 de la revista de mismo nombre. Se desconoce el paradero de muchas de las obras de  Vilmos Huszár, conociéndose muchas de ellas por fotografías que aperecieron en la revista "De Stijl". En la década de 1920 conoció a Kurt Schwitters y otros pintores húngaros de vanguardia, en esta época también trabajó en el diseño gráfico industrial y comercial, siendo el responsable de la imagen comercial de los cigarrillos Miss Blanche Virginia. Durante la Segunda Guerra Mundial, se trasladó a Hierden, una pequeña localidad en la que se sentía más seguro, ya que era judío. En los años siguientes pintó el paisaje de Hierden en un estilo naturalista. Murió en esta localidad en el año 1960.
"Juego de bacarat", Vilmos Huszár, 1828-29
"Jugadores de cartas", Fritz M. Hildebrandt, 1940 - Oleo sobre lienzo pintado aproximadamente en 1940, mide 43 cm. de alto por  63 cm. de ancho . La escena representa una partida de cartas sin interés económico, o al menos un módico interés si tenemos en cuenta las tres monedas que están junto al jugador a la derecha del cuadro. Dos de los jugadores, el sitúado frente al espectador y el de la derecha están absortos en sus naipess, mientras que el jugador a la izquierda del cuadro tiene la vista levantada hacia el jugador de la derecha como si esperase a que éste haga su jugada. El cuadro está resuelto con pinceladas gruesas poco definidas que le confieren una gran vivacidad, la luz que proviene de una lámpara de petróleo inunda toda la escena desde la parte superior de la misma. Fritz Martin Hildebrandt nació en Quedlinburg, Alemania, en el año 1878, murió en Berlín en el año 1970
"Jugadores de cartas", Fritz M. Hildebrandt, 1940
"Pelea de jugadores de naipes y la muerte", Jan Lievens, 1638 -  La escena representa una violenta pelea entre dos jugadores de naipes, la discusión puede haber surgido en el recuento de tantos de la partida, o al calcular el monto de las deudas, pues sobre la mesa se halla la pizarra y la tiza usada para anotar. El jugador de la derecha blande un cuchillo amenazando a su oponente, mientras este trata de defenderse con un cántaro. Como curiosidad destacar que Lievens incluye en la obra la figura de la muerte, (figura poco común en este tipo de obras), ésta agarra con la mano la camisa del jugador de la derecha, mientras alza un fémur con el que va a golpearle. Tal vez represente símbolicamente el fatal desenlace, es decir, la muerte de este jugador a consecuencia del golpe asestado con el cántaro por su contrincante. Jan Lievens nació en Leiden, Holanda, el día 24 de octubre de 1607. Aprendió el oficio a la temprana edad de ocho años con Joris Verschoten, quién lo enviaría a Amsterdam como aprendiz del pintor Pieter Lastman. A los 12 años de  edad ya trabajaba como pintor independiente, siendo considerado una celebridad debido a su precocidad. En 1620 Mauricio de Nassau, príncipe de Orange compró un retrato a tamaño natural de un joven leyendo a la luz de un farol, cuadro que regalaría al embajador inglés que más tarde lo mostraría a James I, siendo éste el motivo de que Lievens fuera invitado a la corte inglesa cuando contaba con 31 años. A mediados de la década de 1620 entabló una estrecha amistad con Rembrandt, con quíen compartiría estudio, llegando a colaborar en algunas de sus obras. Se le considera más creativo pero menos expresivo que Rembrandt, se separaron en 1631. Las obras de Lievens de este periodo muestran una clara influencia de los Caravaggistas de Utrecht, con grandes composiciones con personajes a medio cuerpo como era típico de Caravaggio. Realizó retratos en los que caracterizó a sus modelos como interpretes de pasajes de la Biblia. Entre 1632 y 1644, estuvo en inglaterra. Conoció la obra de Anthony Van Dyck y Peter Paul Rubens, quedando impresionado por la luminosidad de las mismas, como consecuencia de esta influencia, aligeraría su paleta cromática y dotaría a su obra de más elegancia y suavidad. A su vuelta a Holanda en 1644 se estableció en Amberes, donde colaboró con Adriaen Brouwer. Su obra era ya muy conocida y demandada, aunque sus constantes problemas financieros obligaron a sus hijos a renunciar a sus herencia. Murió en Amsterdam, Holanda, el día 4 de Junio de 1674.
"Pelea de jugadores de naipes y la muerte", Jan Lievens, 1638
"La negación de San Pedro", Jan Miense Molenaer, 1636 - Se trata de un óleo sobre lienzo pintado en 1636, mide 99,5 cm. de alto por 135 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Budapest, Hungría. La escena representa una partida de naipes en una taberna, en ella participan tres jugadores que juegan sin el auxilio de una mesa, el jugador de la izquierda tiene un naipe cara arriba sobre sus rodillas que podría ser el As de trébol o el As de picas, si fuera esta última carta la simbología asociada a la misma podría estar presente. Aparecen en el cuadro los personajes típicos de este tema, normalmente la sirvienta que reconoce a Simón Pedro y uno o dos personajes que le señalan, algunas veces como en la obra de Rembrandt con el mismo tema y nombre aparece la figura de Jesús de Nazaret volviendo la mirada hacia Pedro mientras es conducido por los soldados. Uno de los jugadores, podría ser un retrato, sostiene los naipes en la mano derecha al tiempo que se gira para comentar algo, tal vez sobre el juego pues parece ajeno a los acontecimientos que se desarrollan trás él. Pueden verse los dorsos de los naipes en blanco, tal y como eran en tiempos de Jan Miense, ya que los mismos no se imprimían por deficiencias técnicas y las malas cualidades del papel, además tienen las esquinas sin redondear, pues esto apareción en Estados Unidos hacia 1850 como medio de protegerlas. Jan Miense Molenaer nació en Haarlem, Holanda en 1610, fué discípulo de Frans Hals. En 1636 se casaría con la también pintora Judith Leyster. Se le cosidera precursor de Jan Steen, reprodujo principalmente escenas constumbristas con músicos, jugadores o escenas de tabernas diversas . Murió el día 19 de Septiembre del año 1668 en Haarlem, Holanda.
"La negación de San Pedro", Jan Miense Molenaer, 1636
"Taberna con violinista y jugadores" Jan Steen - Este cuadro fue pintado por Jan Steen en el año 1670 se trata de un óleo sobre lienzo cuyas medidas son 82 cm. de alto por 70,4 cm. de ancho. Se encuentra en la Colección Real Trust del Palacio Buckingham en Londres, Reino Unido. Se representa una escena típica de taberna de la época, aunque el tema central del cuadro es el violinista, (que da nombre al cuadro), puede observarse a la derecha de la escena una partida de naipes. El artista quiere que se la vea, pues la composición elegida nos lleva a través de una línea recta desde el personaje principal, (el violinista), hasta los ojos de la mujer que está jugando, y que además mira al espectador, (como si acabásemos de entrar en la taberna), centrando su atención. Sobre la mesa aparecen el mazo de cartas así como una pizarra para apuntar los tantos, lo que indica que se está jugando a un juegos de puntuación. La paleta cromática de Steen es en esta obra muy limitada, resolviéndola con tonos tierra en su mayoría lo que confiere a la escena una atmosfera cálida y acojedora. Jan havickszoon Steen nació en Leiden, (Holanda), en el año 1626, en el seno de una familia acomodada dedicada a la hostelería, trabajo que el mismo desempeñaría la mayor parte de su vida. Fué alumno de Nicolaes Knupfer, (pintor alemán especializado en temas históricos, afincado en Utrech 1603-1660). La influencia de su maestro ha quedado patente en sus cuadros fundamentalmente por la composición y la paleta cromática usada enlos mismos. En 1654 se traslada junto con su familia a Delft, donde abre una taberna llamada "De Roscam", (el peine), de la que vive modestamente. Se ha llegado a decir que Steen pintaba por necesidad, tenía una gran familia, siete hijos con su primera esposa Margriet de Van Goyen, (con la que contrajo matrimonio el tres de Octubre de 1649), y un hijo mas de su segundo matrimonio con María Van Egmont con la que se casó en 1673. En 1640 se une al gremio de pintores de Leiden, "Guilda de San Lucas", de la que llegaría a ser presidente en 1674. En 1670, (trás la muerte de su primera esposa en 1669 y la de su padre en 1670), decide volver a Leiden, donde pasaría el resto de su vida. Murió en Leiden el tres de Febrero del año 1679. Las escenas de la vida cotidiana, son el tema preferido en sus obras, en ellas representa divertidas situaciones. Muchos de los modelos eran familiares suyos, además le gustaba incluírse como personaje en estas escenas, lo que ha llevado a pensar que tal vez esta vida alegre y despreocupada fuera su forma de vida, (un ejemplo claro es el cuadro titulado "Steen abandonando la taberna"). Debido a esta costumbre nos ha llegado una gran cantidad de autoretratos suyos.También pintó obras inspiradas en proverbios y refranes holandeses.      
"Taberna con violinista y jugadores" Jan Steen
"Interior con jugadores de cartas", Jan steen, 1660 - Este magnífico cuadro está pintado con óleo sobre tabla, pertenece a una colección particular. Representa una escena con múltiples personajes en distintas actitudes todas independientes entre sí. La acción principal se centra sobre la partida que están jugando un caballero y una joven muchacha, él está absorto en sus naipes, ajeno a los comentarios que le hace el hombre que también esta en esta acción. La joven de una cándida belleza está claramente haciendo trampas, en el suelo aparece el as de trébol, tal vez descartado en alguna mano anterior. El personaje situado de pie trás el jugador parece haber advertido la suspechería, ya que su mirada se dirige hacia este naipe. Asi mismo la chica mantiene en su mano izquierda oculto otro naipe, el as de corazones, dirige su cándida mirada hacia el espectador del cuadro como si quisiera hacerle cómplice o como si le rogara que no se la descubra. Las trampas efectuadas por la joven no parecen tener un fin económico, pues no se aprecia sobre la mesa de juego dinero o nada que haga sospechar que medien apuestas. La baraja, que descansa sobre la mesa muestra sus dorsos totalmente blancos, como era habitual en aquella época, ya que no fué hasta pasado el siglo XVII cuando se comenzó a imprimirlos.           Jan havickszoon Steen nació en Leiden, (Holanda), en el año 1626, en el seno de una familia acomodada dedicada a la hostelería, trabajo que el mismo desempeñaría la mayor parte de su vida. Fué alumno de Nicolaes Knupfer, (pintor alemán especializado en temas históricos, afincado en Utrech 1603-1660). La influencia de su maestro ha quedado patente en sus cuadros fundamentalmente por la composición y la paleta cromática usada enlos mismos. En 1654 se traslada junto con su familia a Delft, donde abre una taberna llamada "De Roscam", (el peine), de la que vive modestamente. Se ha llegado a decir que Steen pintaba por necesidad, tenía una gran familia, siete hijos con su primera esposa Margriet de Van Goyen, (con la que contrajo matrimonio el tres de Octubre de 1649), y un hijo mas de su segundo matrimonio con María Van Egmont con la que se casó en 1673. En 1640 se une al gremio de pintores de Leiden, "Guilda de San Lucas", de la que llegaría a ser presidente en 1674. En 1670, (trás la muerte de su primera esposa en 1669 y la de su padre en 1670), decide volver a Leiden, donde pasaría el resto de su vida. Murió en Leiden el tres de Febrero del año 1679. Las escenas de la vida cotidiana, son el tema preferido en sus obras, en ellas representa divertidas situaciones. Muchos de los modelos eran familiares suyos, además le gustaba incluírse como personaje en estas escenas, lo que ha llevado a pensar que tal vez esta vida alegre y despreocupada fuera su forma de vida, (un ejemplo claro es el cuadro titulado "Steen abandonando la taberna"). Debido a esta costumbre nos ha llegado una gran cantidad de autoretratos suyos.También pintó obras inspiradas en proverbios y refranes holandeses.
"Interior con jugadores de cartas", Jan steen, 1660
"Pelea durante un juego de cartas", Jan Havicksz Steen - Este cuadro pintado al óleo sobre lienzo tiene unas medidas de 90 cm. de alto por 119 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo Staatliche de Berlín en Alemania. La escena representada se desarrolla a las puertas de una taberna, tema éste pintado en numerosas ocasiones por Jan Steen, (dos personajes sentados a la izquierda del cuadro que se encuentran comiendo y bebiendo sugieren que así sea). Debido a una discusión durante una partida de naipes, tal vez por que el caballero situado a la izquierda de la mesa ha descubierto que se le estaba engañando, estalla una violenta pelea. Resaltar como el artista refleja las distintas personalidades de los implicados en la reyerta, clara es la expresión de indignación que presenta el personaje de la izquierda, de igual manera los dos personajes de la derecha de la mesa, el que se encontraba jugando, (sentado a la mesa), y un compinche que le apoya a sus espaldas presentan expresiones desafiantes y de bravuconoría que nos ayuda a identificarlos como rufianes. Este recurso permite al espectador comprender que ha sucedido al tiempo que le hace empatizar con el jugador de la izquierda del cuadro. Una mujer, tal vez la esposa del jugador, a juzgar por su mirada suplicante y tranquilizadora, intenta evitar que el asunto vaya a más. Especialmente conmovedora es la actitud de la ñiña. Por el suelo han quedado desparramados un tablero de backgammon con todas sus fichas en el interior, lo que sugiere que se encontraba cerrado en el momento de caer y numerosos naipes perfectamente identificables, sobre la mesa, la pizarra de anotar los tantos, el resto de naipes y unas monedas, todo en el cuadro quiere transmitir inmediatez y violencia, tal vez el título dado en inglés a esta obra le haga más justicia: "Argumento contra los juegos de azar". Jan havickszoon Steen nació en Leiden, (Holanda), en 1626, en el seno de una familia acomodada dedicada a la hostelería, trabajo que el mismo desempeñaría la mayor parte de su vida. Fué alumno de Nicolaes Knupfer, (pintor alemán especializado en temas históricos, afincado en Utrech 1603-1660). La influencia de su maestro ha quedado patente en sus cuadros en la composición y en la paleta cromática usada enlos mismos. En 1654 se traslada junto con su familia a Delft, donde abre una taberna llamada De Roscam, (el peine), de la que vive modestamente. Se ha llegado a decir que Steen pintaba por necesidad, tenía una gran familia, siete hijos con su primera esposa Margriet de Van Goyen, (con la que contrajo matrimonio el tres de Octubre de 1649), y un hijo mas de su segundo matrimonio con María Van Egmont con la que se casó en 1673. En 1640 se une al gremio de pintores de Leiden, "Guilda de San Lucas", de la que llegaría a ser presidente en 1674. En 1670, (trás la muerte de su primera esposa en 1669 y la de su padre en 1670), decide volver a Leiden, donde pasaría el resto de su vida. Murió en Leiden el tres de Febrero de 1679. Las escenas de la vida cotidiana, son el tema preferido en sus obras, en ellas representa divertidas situaciones. Se incluyó en algunas de estas escenas, lo que ha llevado a pensar que tal vez esta vida alegre y despreocupada fuera su forma de vida, ( un ejemplo claro es el cuadro titulado "Steen abandonando la taberna"). También pintó obras inspiradas en proverbios y refranes holandeses. Muchos de los modelos eran familiares suyos, así mismo gustó de incluirse en sus cuadros, habiéndonos legado gran cantidad de autorretratos.
"Pelea durante un juego de cartas", Jan Havicksz Steen
"El castillo de naipes", Jean Baptiste Simeon Chardin, 1735 - Óleo sobre lienzo pintado en 1735, mide 81cm. de alto  por 101 cm. de ancho. Se encuenra en la Waddesdon Manor, National trust, Reino Unido.                                                                                    El tema de un joven construyendo un castillo de naipes. es recurrente en la obra de Chardin, ya vimos en solía repetir tanto los temas como las composiciones que consideraba buenas. En esta ocasión puede verse como el personaje está construyendo el primer piso del castillo tanto con naipes sin doblar como con naipes doblados longitudinalmente.  La escena se desarrolla en un fondo menos plano que en otras ocasiones, ya que en ésta la mesa sobre la que trabaja el joven está cerca de una de las esquinas de la habitación, junto a una ventana por la que entra la luz. La composición de la escena como en otros cuadros con este tema es triangular. El muchacho permanece absorto en su trabajo con su vista centrada sobre su creación, lo que atrae fuertemente la mirada del espectador sobre el punto deseado por el pintor, es decir el castillo de naipes. La obra está resuelta con una limitada paleta de colores en tonos terrosos, excepción hecha del tapete que cubre la mesa, la viveza del mismo ayuda también a centrar la mirada del espectador sobre el castillo de naipes. Puede verse las principales características de los naipes de la época, es decir la ausencia de impresión en los dorsos de los mismos y las esquinas sin redondear. Jean Baptiste Simeon Chardin, hijo de un artesano fabricantes de billares nació en Paris el día 2 de Noviembre del año 1699, se le considera unos de los pintores franceses más importante del siglo XVII. Hasta 1724, fecha en la que ingresa en la Academia Saint Luc, no se sabe nada acerca de su educación. El 25 de Septiembre de 1728, se le otorgó la condición de académico por una de sus obras maestras,"Bodegón con gato y raya". Fué pintor de naturalezas muerta, el nivel más bajo de la jerarquía de géneros, hasta que decidió cambiar de género por motivos económicos, ya que para un pintor de la época era mucho más fácil ganarse la vida pintando retratos que bodegones. Sus primeras escenas de género, (escenas representando la vida domestica), datan de 1733. Ésto supuso un desafío para Chardin, ya que la imaginación necesaria a la hora de componer las obras, era su cualidad más escasa. Por ello no es extraño encontrar en numerosos cuadros la misma estructura, ya que cuando encontraba una que le satisfacía solía reutilizarla. A partir de 1770 se dedica a la técnica del pastel, llegando a ser el referente en retratos con esta técnica.Falleció el día 6 de Diciembre de 1779 a las nueve de la mañana en la vivienda que ocupaba en el Louvre, (vivienda oficial que le había sido otorgada por el rey Luis XV en 1757). Autorretrato realizado en 1775 con la técnica de pastel sobre papel, mide 46 cm. de alto por por 38 cm. de ancho. Se conserva en el museo del Louvre de Paris, Francia.  
"El castillo de naipes", Jean Baptiste Simeon Chardin, 1735
"El castillo de naipes", Jean Baptiste Simeon Chardin, 1736-37. - Se trata de un oleo sobre lienzo pintado en 1736 o 1737, mide 72 cm. de alto por 60 cm. de ancho. Se encuentra en la National Gallery de Londres. Representa a un joven realizando un castillo de naipes. Tanto la composición triangular, como la paleta cromática abundante en colores tierra empleada en este cuadro, se repite en otros tres que Chardin pintó con el mismo tema. Al igual que en los demás cuadros con este tema, el joven está plenamente concentrado en lo que está haciendo, lo que atrae la atención del espectador en este punto. En esta ocasión el castillo de naipes consta de una combinación de naipes planos y naipes doblados longitudinalmente. La luz procede de la parte izquierda del cuadro, por encima de la cabeza del personaje, lo que sugiere la presencia de una lucerna. Jean Baptiste Simeon Chardin, hijo de un artesano fabricantes de billares nació en Paris el día 2 de Noviembre del año 1699, se le considera unos de los pintores franceses más importante del siglo XVII. Hasta 1724, fecha en la que ingresa en la Academia Saint Luc, no se sabe nada acerca de su educación. El 25 de Septiembre de 1728, se le otorgó la condición de académico por una de sus obras maestras,"Bodegón con gato y raya". Fué pintor de naturalezas muerta, el nivel más bajo de la jerarquía de géneros, hasta que decidió cambiar de género por motivos económicos, ya que para un pintor de la época era mucho más fácil ganarse la vida pintando retratos que bodegones. Sus primeras escenas de género, (escenas representando la vida domestica), datan de 1733. Ésto supuso un desafío para Chardin, ya que la imaginación necesaria a la hora de componer las obras, era su cualidad más escasa. Por ello no es extraño encontrar en numerosos cuadros la misma estructura, ya que cuando encontraba una que le satisfacía solía reutilizarla. A partir de 1770 se dedica a la técnica del pastel, llegando a ser el referente en retratos con esta técnica.Falleció el día 6 de Diciembre de 1779 a las nueve de la mañana en la vivienda que ocupaba en el Louvre, (vivienda oficial que le había sido otorgada por el rey Luis XV en 1757). Autorretrato realizado en 1775 con la técnica de pastel sobre papel, mide 46 cm. de alto por por 38 cm. de ancho. Se conserva en el museo del Louvre de Paris, Francia.
"El castillo de naipes", Jean Baptiste Simeon Chardin, 1736-37.
"El castillo de naipes", Jean Baptiste Simeon Chardin, 1737 - Oleo sobre lienzo pintado en 1737, mide  82,33 cm. de alto por 66, 04 cm. de ancho. Se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington, Estados Unidos de America. En esta obra Chardin retoma el tema de un joven construyendo un castillo de naipes. En esta ocasión puede verse como el personaje está construyendo la base del castillo, para lo que coloca las cartas verticalmente sobre la mesa. A efectos de que se mantengan de pie, los naipes han sido doblados longitudinalmente por la mitad. La escena se desarrolla en un fondo plano y se incluye dentro de una composición triangular. El muchacho permanece absorto en su trabajo con su vista centrada sobre su creación, lo que atrae fuertemente la mirada del espectador sobre el punto deseado por el pintor, es decir el castillo de naipes. La obra está resuelta con una limitada paleta de colores. Puede verse las principales características de los naipes de la época, es decir la ausencia de impresión en los dorsos de los mismos y las esquinas sin redondear. Jean Baptiste Simeon Chardin, hijo de un artesano fabricantes de billares nació en Paris el día 2 de Noviembre del año 1699, se le considera unos de los pintores franceses más importante del siglo XVII. Hasta 1724, fecha en la que ingresa en la Academia Saint Luc, no se sabe nada acerca de su educación. El 25 de Septiembre de 1728, se le otorgó la condición de académico por una de sus obras maestras,"Bodegón con gato y raya". Fué pintor de naturalezas muerta, el nivel más bajo de la jerarquía de géneros, hasta que decidió cambiar de género por motivos económicos, ya que para un pintor de la época era mucho más fácil ganarse la vida pintando retratos que bodegones. Sus primeras escenas de género, (escenas representando la vida domestica), datan de 1733. Ésto supuso un desafío para Chardin, ya que la imaginación necesaria a la hora de componer las obras, era su cualidad más escasa. Por ello no es extraño encontrar en numerosos cuadros la misma estructura, ya que cuando encontraba una que le satisfacía solía reutilizarla. A partir de 1770 se dedica a la técnica del pastel, llegando a ser el referente en retratos con esta técnica.Falleció el día 6 de Diciembre de 1779 a las nueve de la mañana en la vivienda que ocupaba en el Louvre, (vivienda oficial que le había sido otorgada por el rey Luis XV en 1757). Autorretrato realizado en 1775 con la técnica de pastel sobre papel, mide 46 cm. de alto por por 38 cm. de ancho. Se conserva en el museo del Louvre de Paris, Francia.              
"El castillo de naipes", Jean Baptiste Simeon Chardin, 1737
"Jugadores de cartas", Jean Montemont, 1954. - Óleo sobre lienzo pintado en 1954, mide 75 cm. de alto por  90 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo de Remiremont. El artista representa una parida de cartas entre dos jóvenes muchachas, que suscita un vivo interés por parte de un nutrido grupo de observadores que rodea a ambas jugadores. Dejando un hueco en ese anillo de observadores, el artista consigue centrar la mirada del espectador sobre la mesa de juego y concretamente sobre las cartas de la jugadora de la derecha, naipes que seguramente el pintor ha colocado en una de las cuato secciones doradas del lienzo, pues la atracción de la mirada es muy fuerte. El cuadro transmite una gran vivacidad y frescura en su resolución. Jean Montemont nace en Rupt sur Mosselle, Francia en el año 1913, cursa sus estudios en el colegio de Remiremont hasta obtener su bachillerato en 1931. Ese mismo año, el día 18 de Junio, recibe del Presidente de la República Paul Doumer el Premio de dibujo de concurso general, con el que se confirmaría su joven talento. Trás su servicio militar, hecho en Algeria, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de Nancy donde tiene como maestro a Victor Prouvé. Permanecerá en esta escuela hasta 1938, abandonándola con un primer premio en dibujo y artes gráficas entre otros. Inclinado hacia la enseñanza ejercerá de maestro de primaria hasta 1948. Durante la Segunda Guerra Mundial se alista voluntariamente poco después de la liberación de Remiremont el 18 de Septiembre de 1944. Después de pertenecer a la resistencia se alista en el Segundo Batallón Blindado, en la famosa sección del General Leclerc que liberará Estrasburgo y Paris. Se le conoce como el pintor soldado, tuvo tiempo de observar el frente con todo detalle. Es en este entorno en el que Montemont realiza la mayoría de su trabajo. Tomaba croquis de cualquier circunstancia que posteriormente trasladaba a la acuarela y al gouche. Gravemente herido en el frente, jamás se repondría del traumatismo. Trás la guerra volvería a su puesto de maestro continuando con su arte, aunque trás su regreso del frente sus trazos se hicieron más duros. Cambió en numerosas ocasiones de estilo, desde el realismo al cubismo. Murió en Remiremont en el año 1959. Ampliar información: http://artlorrain.com/jean-montemont
"Jugadores de cartas", Jean Montemont, 1954.
"La hechadora de cartas", José Jimenez Aranda, 1893 - Se trata de un óleo sobre lienzo pintado en 1893, mide 72 cm. de alto por 105 cm. de ancho. Esta obra fué pintada en la etapa más destacada de la trayectoria artística de jimenez Aranda, época en la que estaba interesado en representar escenas de la vida cotidiana. El cuadro representa una vieja adivina leyendo el futuro a dos damas, éstas siguen con atención las explicaciones que la tarotista da respecto a los naipes que se encuentran sobre la mesa y que ha sacado de la baraja que sostiene en la mano izquierda. El cuadro es de gran intimismo, como consecuencia del tratamiento que jimenez Aranda da a la luz solar que entra por la ventana y que contrasta con la oscuridad de la habitación. La luz tamizada a través de la desgastada cortina crea sobre el rostro y manos de los personajes bellísimos efectos de luz. José jimenez Aranda nació el día 7 de Febrero del año 1837 en Sevilla, España. En 1851 inicia sus formación artística en la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla, en la que tendría como maestros a Antonio Cabral Bejarano. En 1867 estuvo en Jerez de la Frontera diseñando y restaurando vidrieras. En el año 1868 estudiaría en el Museo del Prado de Madrid, los grandes de la pintura española como Velazquez y Goya . En 1871 se traslada a Roma, cuidad en la que conocería a Mariano Fortuny y que produciría una notable influencia sobre su futura obra. En 1881 se traslada a Paris, cuidad en la que trabajó por espacio de nueve años, y en la que produciría sus cuadros de género con escenas ambientadas en interiores dieciochescos. En 1890 regresa a España, viviendo en Madrid y posteriormente en Sevilla donde fijaría su residencia difinitiva en 1892. En 1897 fué nombrado profesor de la Academia de Bellas Artes de Sevilla. Participó en numerosas exposiciones obteniendo importantes premios como en la Internacional de Munich del año 1883, en la que fué galardonado con la medalla de honor. Fué además un escelente dibujante e ilustrador, destacando su obra por una corrección en el dibujo, la riqueza de su paleta cromática y una ejecución minuciosa que lo acercan a Meissonier. Su obra inicial se caracteriza por ser de caracter más romántico que las de su etapa final de corte más naturalista, es el más representativo de todos los pintores preciosistas. Como dibujante ilustro la monumental obra "El Quijote del centenario" publicada en 1903, (hecha para conmemorar el tercer centenario de el Quijote), que incluye 689 láminas del pintor realizadas a lápiz, plumilla y fundamentalmente aguada, y que constituye junto con la obra de Gustavo Doré la más completa aportación a la iconografía cervantina. José Jimenez Aranda falleció en Sevilla el día 6 de Mayo del año 1903.
"La hechadora de cartas", José Jimenez Aranda, 1893
"La partida de cartas", Raymond Johnson - Se trata de una acuarela pintada en 1967, sus medidas son 60,9 cm. de alto por 76,2 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo Heard de Phoenix, Arizona. El cuadro representa una escena tribal navajo típica, podemos ver una partida de cartas en la que destaca un tahúr con un naipe escondido en el bolsillo trasero de su pantalón. Raymond Johnson, cuyo nombre Navajo es Ne-Cha-He es un pintor e ilustrador de la vida tribal Navajo.
"La partida de cartas", Raymond Johnson
"Jugando por dinero", John Mix Stanley, 1867 - Se trata de un óleo sobre lienzo pintado en el año 1867, mide 50,8 cm. de alto por 40, 3 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo Stark de Orange, (Texas), Estados Unidos de America. Representa a unos indios Iroqueses jugando a las cartas, retratados como personajes elegantes y bellos, vestidos con sus mejores galas de gamuza. Aunque la actividad lúdica entre los indios norteamericanos está muy bién documentada, no lo está tanto su afición a jugar a los naipes, juegos que sin duda aprendieron de los colonizadores del nuevo mundo. John Mix Stanley nació en canandaigua, (Nueva York) el 17 de Enero del año 1814. Es uno de los pintores que mejor han sabido retratar la vida y constumbres de los Indios nativos norteamericanos, por lo que está considerado uno de los mejores cronistas artistícos. Quedó huerfano a la edad de 12 años, por lo que en 1832, en busca de nuevas oportunidades se trasladó al Oeste americano donde se convertiría en uno de los mejores paisajistas y retratistas de su época. Recibió clases de retrato del artista itirinante James Bowman. Fué en 1839 en fort Snelling, (Minnesota) donde pintaría su primer cuadro de temática india. En 1845 acompañó al Coronel Stephen Watts a la guerra de méjico. En 1848 se desplazó a Hawai donde se dedicó a pintar durante un año a los miembros de la familia real. En  1865 en el Smithsonian American Art museum, (Washington ), se perdieron más de 200 de sus obras debido a un incendio. Murió el 10 de Abril del año 1872 en Detroit.
"Jugando por dinero", John Mix Stanley, 1867
"Jarra de cerveza y naipes", Juan Gris, 1913 - Se trata de un óleo y papier collé sobre un lienzo cuyas medidas son 52,5 cm. de alto por 36,5 cm. de ancho. El elemento central de la composicíon es la jarra de cerveza rebosante de espuma, se complementa con una pipa y unos naipes fragmentados. La obra está estructurada en seis franjas verticales, en las que destacan las formas dominantes en el cubismo, (triángulos, rectángulos y cuadrados). Fué pintado en 1913 y adquirido por Kahnweiler, (marchante de arte alemán), el mismo año de su creación. El cuadro pertenece al Columbus Museum of Art de Ohio, fué donado por Ferdinand Howald quién lo adquirió en 1920. Juan Gris, cuyo verdadero nombre era José Victoriano Gónzalez Pérez nació en Madrid el 23 de Marzo del año 1887. Estudió en la escuela de  Artes y Oficios de Madrid entre los años 1904 y 1906. Fué alumno del pintor José Moreno Carbonero. Durante su juventud trabajó como ilustrador de "Blanco y Negro". Para evitar la milicia, en 1906 se traslada a Paris donde se desarollará la mayor parte de su obra, sus primeros intentos como cubista datan de 1910. Es considerado como uno de los maestros del cubismo, aunque su obra no es muy conocida en su país natal. Murió el 11 de Mayo de 1927 en Boulogne-sur Seine, Francia.                
"Jarra de cerveza y naipes", Juan Gris, 1913
"Juego de cartas", Judith Leyster - Se trata de un óleo sobre lienzo de estilo Barroco cuyas medidas son 54 cm. de alto por 43.5 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Rouen, Francia. La escena nos muestra lo que parece ser una partida de naipes familiar entre dos jugadores, tal vez un matrimonio, que juega sobre una improvisada mesa constituída por un barril. El jugador situado a la izquierda muestra sus cartas a su oponente con evidente gesto de alegría. La jugadora vuelve su mirada al espectador al tiempo que con la mano izquierda hace un gesto de aceptación de la derrota. La impresión de que se trata de una familia se ve reforzada por la presencia de la anciana y del muchacho, que siguen con la misma alegría el desarrollo de los acontecimientos. La luz, rojiza, sigue una línea diagonal que viene de abajo y a la izquierda, tal vez de la chimenea de la casa. Judith Leyster nació en Haarlem, Holanda el día 28 de Julio del año 1609. Era hija era de Jan Willemsz Leyster, un comerciante textil y más tarde propietario de una fábrica de cerveza. Leyster probablemente fue aprendiz de Frans de Grebber y más tarde trabajó en el estudio de Frans Hals. Sus pinturas revelan la influencia de éste último y la de su hermano menor Dirck, así como la de Jan Miense Molenaer, el pintor con el que iba a casarse en 1636. Como Dirck Hals, Leyster pintó principalmente escenas constumbristas de personas tocando música o divirtiéndose, aunque por lo general en grupos más pequeños. Leyster fue una de las pocas mujeres del siglo VXII que pudo ganarse la vida como pintora, fue la única mujer registrada en el gremio de pintores, (Guilda de San Lucas), al que se unió en 1636.  Leyster tuvo su estudio en Haarlem hasta que se casó con Jan Miense Molenaer, pintor de menos talento aunque más prolífico. Su nombre desapareció de la historia de la pintura durante más de dos siglos, recuperándose en el siglo XIX. Lamentablemente sólo veinte de sus pinturas han sobrevivido hasta hoy, incluyendo un autoretrato, (junto a estas líneas),, todas datadas entre los años 1629 y 1635, época anterior a convertirse en madre. Murió el día 10 de Febrero del año 1660 en Heemstede, Holanda.              
"Juego de cartas", Judith Leyster
"Los jugadores de cartas", Helmut Kolle - Sobre un fondo plano Kolle representa una partida de cartas entre dos obreros. Helmut Kolle fue un pintor alemán cuyo estilo fue principalmente el neoexpresionismo, su obra fue fuertemente influenciada por Georges Braque, Pablo Picaso y Henri Rousseau. Usó el pseudónimo Helmut von Hügel, por lo que también pueden encontrarse obras con esta firma. Nació el día 24 de febrero en Charlottenburg, Berlín, Alemania. Era hijo del bacteriólogo Wilhelm Kolle, pasó su infancia en Berna y en Frankfurt am Main. Recibió clases de dibujo de Ferdinand Hodler, Lovis Corinth y Maurice Denis. Durante los años 1919 y 1920 trabajó junto al crítico de arte Wilhelm Uhde, quién acabaría siendo su pareja. De 1924 a 1928 vivió en Paris, lugar en el que hizo algunas exposiciones y siendo el primer artista alemán que consiguió triunfar despues del final de la Primera Guerra Mundial. Enfermó gravemente en 1928, retirándose a la ciudad de Chantilly donde moriría el día 17 de Noviembre de 1931 en casa de Uhde.
"Los jugadores de cartas", Helmut Kolle
"Lansquenetes jugando a los dados", Christoph Amberger, 1525-30 - Este grabado se conserva en el British Muesum de Londres, sus medidas son de 22,7 cm. de alto por 33,1 cm. de ancho. Representa una partida de dados entre dos lansquenetes. Estos eran soldados, (mercenarios), de infantería alemán de los siglos XV a XVII, el término procede del vocablo alemán Landsknecht, cuyo significado es servidor del país (land, tierra o país y knecht, servidor). La partida se desarrolla sobre un tambor, en el que podermos ver los dados y las monedas con las que realizan las apuestas. Sobre el suelo aparecen las armas típicas de estos soldados, en concreto la alabarda y la más común lanza larga o pica. Eran aficionados a jugar a un juego de naipes conocido como Lansquenet en su honor, este juego se cree que es el antecesor del monte español, pues sus reglas son muy parecidas y primitivas que las éste. Christoph Amberger nació en Augsburgo, Alemania hacia 1500, fué un pintor y dibujante, fué además grabador y escultor. Aunque no se sabe mucho acerca de su formación artística, es probable que fuera alumno de su suegro, Leonhard Beck. Entre 1525 y 1527 realizó un viaje por el norte de Italia que influyó notablemente sobre su posterior obra. En 1530 ya se le documenta como maestro pintor en Augsburgo, cuidad en la que permanecería activo durante toda su vida. La faceta más lograda y productiva de su trabajo fué la de  retratista, siendo muy apreciado por las clases adineradas de la cuidad, especialmente la familia Fugger quién le encargó numerosos trabajos. Sus retratos ponen de manifiesto influencias de pintores venecianos, especialmente de Tiziano, quien visitó Augsburgo en 1548. Otras influencias en su obra son las pinturas de Hans Holbein el Viejo y Hans Burgkmair. Sus diseños para escultura pueden apreciarse a través de ocho dibujos conservados en museos de Dresden y Viena, que realizó en 1548 para las estatuas de bronce de la tumba del emperador Maximiliano I. Christoph Amberger es el último exponente importante del estilo renacentista en Augsburgo. Murió en Augsburgo, Alemania en 1561-62.
"Lansquenetes jugando a los dados", Christoph Amberger, 1525-30
"Españoles jugando a los naipes", Louis Capdevielle, 1879 - Se trata de un óleo sobre lienzo de finales del siglo XIX, concretamente fué pintado en 1879, sus medidas son 102 cm. de alto por142 cm. de ancho. Se en cuentra en el Museo de Bellas Artes de Pau, Francia. La escena representa a un grupo de jugadores, según el autor españoles. Son personajes de baja condición social, tal vez trabajadores del campo que disfrutan de su tiempo libre en una taberna, se dice que la obra está inspirada en "Los Borrachos o el triunfo de Baco" una de las obras maestras de Diego Velazquez, pintada entre los años 1628 y 1629. La composición triangular en la que Capdevielle integra a los jugadores es distinta al triángulo que se forma bajo la mirada del encapuchado, cuyo cenit se encuentra en el ala derecha de su sombrero, cuya pendiente apunta directamente sobre las cartas ganadoras, (entre ellas el as de oros),  que sostiene el jugador de la derecha. Las manos de los personajes son magistralmente tratadas por Capdevielle. Louis Capdevielle nació en Lourdes, Francia, el día 9 de Mayo del año 1849, hijo de un modesto pizarrero pronto dió muestras de su gran talento para el dibujo, recibió clases de Couthouly. Ayudado por una beca del Consejo Municipal de Lourdes, partirá en 1868 a estudiar a Paris, donde ingresaría en la escuela Superior de Bellas Artes. Capdevielle seguirá los cusos del pintor y escultor Aimé Millet. En 1873 se casaría con Marie Hortense Genonceau, con la que tendría dos hijas, ésta moriría prematuramente en 1878. En 1880 volvería a casarse, esta vez con Lucie Raoul, con la que tuvo dos hijo, uno de ellos Raúl sería también pintor.  En el año 1874 participa por primera vez en el salón de Paris con el caudro titulado "Job". En 1876 se desplaza a España con el fin de estudiar los grandes maestros en su ambiente.  A partir de 1890, su carrera da un giro convirtiéndose en retratista de la burguesía local del Lourdes del siglo XIX, (se había instalado definitivamente en Lourdes debido a problemas financieros). También retrató al gran dramaturgo Emile Zola en 1892. Murió en Lourdes el día 27 de Julio del año 1905. Libros: Louis Capdevielle: peintre pyrénéen, 1849-1905; autor: Jean Cassou (crítico de arte), Geneviève Marsan. editado por: Société académique des Hautes-Pyrénées, 2004;  ISBN: 2952053804, 9782952053808    
"Españoles jugando a los naipes", Louis Capdevielle, 1879
"Condesa de Vézins", Louis Carrogis, 1769 - Este retrato elaborado con mina de plomo, sanguina, acuarela y gouache sobre papel. Pertenece al museo de Condé de Chantilly, al cual fue legado, desde una colección privada, (que lo adquirió en 1887) con reverva de usufructo y prohibición de préstamo en el año 1897. El retrato representa a la condesa ya de edad avanzada jugando a los naipes, tal vez haciendo un solitario o patience en francés. Existe una anotación a tinta en el retrato, escrita de mano de Sr. en 1769 Ledan, (autor del catálogo de retratos dibujados por Carmontelle 1807), acalarando que se trata de la Condesa de Vézins y corrigiendo una anterior anotación que decía que se trataba de la Condesa de Rochambeau, aya de los hijos del Duque de Orleans. Louis Carrogis nació en paris el día 15 de Agosto de 1717, se le conoció artisticamente como "Carmontelle". Era dibujante, pintor y grabador autodidacta, muy famoso por sus magníficos retratos, realizó más de seiscientos en la corte del duque de Orleans, tanto a personajes de la nobleza como a los de condición más baja. Son retratos realizados en su mayoria a lápiz y posteriormente lavados con acuarela y mejorados con pastel o gouache. Conseguía un parecido muy fiel al modelo, colocado éste la mayoría de las veces de perfil. En palabras del Barón de Grimm no tardaba más de dos horas en realizarlos, y tal era su parecido que a menudo conocía gente en la corte, simplemente por haberlos visto anteriormente retratados. Mas que como un gran artista Carmontelle se nos revela como un obsrvador cronista de su tiempo. Carrogis no comerciaba con sus dibujos, solía regalar copia a sus amistades, conservando celosamente los originales, ésto posibilitó que se conservaran la mayoría. Murió en Paris el día 26 de Diciembre del año 1806.
"Condesa de Vézins", Louis Carrogis, 1769
"Conde de Aubigny", Louis Carrogis, 1758 - Este retrato realizado, en 1758 con mina de plomo y sanguina sobre papel, sus medidas son 21 cm. de alto por 16,5 cm. de ancho. Se encuentra en el Mueso Condé de Chantilly, Francia, pertenece a una colección privada, quién lo qdquirió en 1887, posteriormente en el año 1897 fué donado al Museo con reserva de usufructo y prohibición de préstamo. El retrato representa a Jean Marc Antoine de Morel, Conde de Aubigny jugando a los naipes, sostiene sus naipes en ambas manos, mientras mira al frente, a sus adversario, con evidente expresión de satisfacción, tal vez por que tenga una mano ganadora. La presencia de monedas sobre la mesa indica que el juego no era altruista. Carmontelle dibujará otras muchas veces a sus modelos en actitud de jugar, pues el juego de azar era una de las diversiones más populares de las clases altas francesas de final del siglo XVIII. Existe una anotación a tinta en el retrato, escrita de mano del Sr. Ledan, (autor del catálogo de retratos dibujados por Carmontelle 1807), aclarando la identidad del personaje. Louis Carrogis nació en paris el día 15 de Agosto de 1717, se le conoció artisticamente como "Carmontelle". Era dibujante, pintor y grabador autodidacta, muy famoso por sus magníficos retratos, realizó más de seiscientos en la corte del duque de Orleans, tanto a personajes de la nobleza como a los de condición más baja. Son retratos realizados en su mayoria a lápiz y posteriormente lavados con acuarela y mejorados con pastel o gouache. Conseguía un parecido muy fiel al modelo, colocado éste la mayoría de las veces de perfil. En palabras del Barón de Grimm no tardaba más de dos horas en realizarlos, y tal era su parecido que a menudo conocía gente en la corte, simplemente por haberlos visto anteriormente retratados. Mas que como un gran artista Carmontelle se nos revela como un obsrvador cronista de su tiempo. Carrogis no comerciaba con sus dibujos, solía regalar copia a sus amistades, conservando celosamente los originales, ésto posibilitó que se conservaran la mayoría. Murió en Paris el día 26 de Diciembre del año 1806.
"Conde de Aubigny", Louis Carrogis, 1758
"Conde de Blot", Louis Carrogis, 1760 - Este retrato elaborado con mina de plomo, sanguina, acuarela y gouache sobre papel mide 30 cm. de alto por 17,5 cm. de ancho. Pertenece al museo de Condé de Chantilly, al cual fue legado, desde una colección privada, (que lo adquirió en 1886), con reverva de usufructo y prohibición de préstamo en el año 1897. El retrato representa a Gilbert Chauvigny Conde de Blot, éste se encuentra de perfil como es típico en los retratos de Carmontelle, aunque no se encuentra jugando, a su lado, sobre una mesa hay naipes extendidos y una cantidad de monedas de oro. Tal vez la partida estuviera recién acabada. Existe una anotación a tinta en el retrato, escrita de mano del Sr. Ledan, (autor del catálogo de retratos dibujados por Carmontelle 1807), acalarando la identidad del modelo. Louis Carrogis nació en paris el día 15 de Agosto de 1717, se le conoció artisticamente como "Carmontelle". Era dibujante, pintor y grabador autodidacta, muy famoso por sus magníficos retratos, realizó más de seiscientos en la corte del duque de Orleans, tanto a personajes de la nobleza como a los de condición más baja. Son retratos realizados en su mayoria a lápiz y posteriormente lavados con acuarela y mejorados con pastel o gouache. Conseguía un parecido muy fiel al modelo, colocado éste la mayoría de las veces de perfil. En palabras del Barón de Grimm no tardaba más de dos horas en realizarlos, y tal era su parecido que a menudo conocía gente en la corte, simplemente por haberlos visto anteriormente retratados. Mas que como un gran artista Carmontelle se nos revela como un obsrvador cronista de su tiempo. Carrogis no comerciaba con sus dibujos, solía regalar copia a sus amistades, conservando celosamente los originales, ésto posibilitó que se conservaran la mayoría. Murió en Paris el día 26 de Diciembre del año 1806.
"Conde de Blot", Louis Carrogis, 1760
"Luis de Francia juega al Lansquenet", Antoine Trouvain, 1694 - Se trata de un grabado de Trouvain realizado en 1692-94, se conserva en el Museo Nacional de Francia. En el vemos a Luis de Francia hijo de Luis XIV jugando al Lansquenet en la habitación posterior de los apartamentos de palacio en Versalles. El juego era una actividad diaria en palacio, a estas reuniones asistían desde la nobleza hasta advenedizos cuyo único objetivo era medrar socialmente. Vemos varias parejas de jóvenes sentadas a la mesa, los personajes de la derecha del cuadro parecen haberse detenido por un momento, como si de una fotografía moderna se tratara, para mirar al artista y al espectador. La futilidad del momento queda realzada por la acción del príncipe, pues sigue repartiendo naipes mientras tanto. Antoine Trouvain fué un grabador, pintor y editor francés nacido en 1656. Se formó bajo la direction de Antoine Schnapper murió en 1708.
"Luis de Francia juega al Lansquenet", Antoine Trouvain, 1694
"Trampantojo con monedas", Louis Leopold de Boilly - Se trata de un óleo sobre tabla pintado entre 1808 y 1814. Mide 48,3 cm. de alto por 60,2 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Lille en Francia, siendo adquirido en 1974. Proviene del gabinete de Napoleón en el Castillo de Saint-Cloud. Se trata de una naturaleza muerta en la que el autor ha colocado diversos objetos entre ellos un juego de naipes, observese que éstos aparecen con las esquinas sin redondear, tal y como eran en esa época, ya que las mismas no fueron inventadas por Grimaud hasta mucho más tarde. Las dos miniaturas son autorretratos del pintor. Louis Leopold Boilly nació el 5 de Julio de 1761 en La bassée (Francia), en una familia modesta, su padre era tallador de madera. Fué un pintor de genero, famoso por representar la sociedad de la revolución francesa y escenas callejeras de Paris, al que llegó en 1785. Era un agudo observador de la vida que transcurría a su alrededor. A destacar la forma meticulosa en que representaba hasta el más minimo detalle de los gestos y expresiones faciales. Sus pinturas y dibujos de vestidos y materias textiles quedan hoy casi como una crónica de la moda de aquel tiempo. Su primera exposición fue en 1791, se ganó el favor del nuevo regimen republicano con su pintura "El triunfo de Marat" de 1794. Fué un pionero de la litografía. Falleció el día 4 de enero de 1845 en Paris.
"Trampantojo con monedas", Louis Leopold de Boilly
 
 
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